'Muerte de un miliciano' de Robert Capa es una de las fotografías más famosas de la historia. Es uno de los grandes símbolos antibelicistas por antonomasia. Pero como todos los grandes trabajos tiene sus luces y sus sombras. Vamos a conocer la realidad de 'Muerte de un miliciano'

Una fotografía tiene que contar historias. Si no, no tiene sentido alguno. Tiene que comunicar, llamar la atención por la composición, por la luz, por lo que no se ve. Y hablar de las fotografías de Robert Capa es hablar de uno de los últimos aventureros del siglo XX, esos que viajaban a lugares imposibles, enamoraban a las actrices de moda y con los que vivir era poco menos que una fiesta.

No es el momento de contar su biografía sino para recordar una de sus fotos más famosas, una de las que ayudo a mitificar su figura. Porque Robert Capa no es solo una persona. Era el personaje inventado por él, Ernö Friedmann, y Gerda Taro. Un fotógrafo americano que había ido a trabajar a España durante la cruenta guerra civil y que ofrecía sus trabajos a las revistas europeas. Muchos cayeron en el engaño y todo fue perfecto hasta la muerte de Gerda bajo un tanque en un pueblo de Madrid.

Parece ser que Robert Capa reunía el trabajo de ambos, aunque la firma masculina es la que ha quedado para la historia. Una de tantas injusticias que están saliendo a la luz en estos tiempos. Algún día se sabrá toda la verdad... y hasta entonces sería interesante ver las fotografías del seudónimo Capa firmadas por los dos.

'Muerte de un miliciano'

Esta fotografía, que podría haber hecho cualquiera de los dos, aunque siempre se ha afirmado que la hizo él (así aparece en la biografía de Richard Whelan) es del 5 de septiembre de 1936 (siempre me ha llamado la atención que sin metadatos ni nada alguien se acuerde con tanta precisión de la fecha exacta del disparo). Se publicó por primera vez en la revista Vu. La fama le llegó cuando apareció en Life.

La primera aparición de la fotografía

Desde ese momento se convirtió en un referente de la guerra civil española. Está casi a la altura del Guernica de Picasso. Incluso en tiempos pasados podíamos disfrutar de ambos trabajos juntos en el Reina Sofía, pero ya no están juntos. El mítico cuadro sigue en su sitio, pero la fotografía ha perdido su posición...

En la imagen se observa a un soldado de la milicia, es decir, a un ciudadano normal y corriente armado por un situación bélica, que cae fulminado por un disparo. Lo que llama la atención de la fotografía es que vemos el instante mismo de la muerte, la trágica caída de la mortalidad contra un fondo vacío. Como si estuviéramos viendo un cuadro de Goya. La fama de Robert Capa llegó con este doble disparo. De aquí a la eternidad.

¿'Muerte de un miliciano' es una fotografía verídica?

Más que verídica debería preguntar si es periodística. Y mi respuesta es no. Quizás pueda ser considerada documental. Pero pienso que no es real. Y creo que no es grave. Hay que situarla en su contexto. Quizás Robert Capa entendió antes que nadie el sentido del espectáculo bélico para lograr vender más periódicos. Enséñame algo llamativo para que la masa responda. No quiero ver a los soldados desfilar o ya muertos en el campo de batalla. Quiero mirar lo que ve un soldado en las trincheras, quiero sentir la sangre, el miedo del que está ahí de verdad...

Es verdad que es demasiado pronto porque estamos ante la primera guerra fotografiada. No podemos olvidar que la Leica apareció en 1925. Y con ella arrancan las pequeñas cámaras perfectas para documentar la realidad. Si fuera manipulada significaría que Capa era un adelantado a su tiempo y supo antes que nadie que la fotografía no es verdad, es tu verdad... Otro tema que podríamos desarrollar.

La mano que rompe la magia.

Pero a las pruebas me remito:

• La posición en la que cae el miliciano no es natural. Según médicos forenses esa mano que se adivina detrás del cuerpo parece querer evitar el golpe de la caída.
• La primera vez que se publicó la fotografía en la revista Vu aparece con otras imágenes en las que se adivina el mismo fondo. Y todos los cuerpos parecen caer en el mismo punto.
• Todo sería más fácil si pudieramos ver el negativo original. Cuando apareció la maleta de México, con los trabajos de Gerda, Robert y David, todos pensamos que el misterio dejaría de serlo. Pero curiosamente había huecos en la maleta. Faltaban negativos. Y como no, eran los del 5 de septiembre.
• Como podemos leer en el artículo de Nekane Parejo 'La sombra del iceberg: un documental de investigación en primera persona sobre la fotografía El miliciano muerto de Capa': "Desde 1975 el periodista británico O´Dowd Gallagher aseguraba que Robert Capa le había indicado que se trataba de una escenificación, como posteriormente recogerá Phillip Knightley en First Casualty (1975). En esta misma línea se inscribe John Taylor que en Photography and Fiction señala: “Parece haberse demostrado que es falsa y Capa, al estilo de Smith y otros fotógrafos de la época, hizo correr al pobre miliciano y dejarse caer una y otra vez hasta obtener lo que quería”.

Todas estas dudas las podemos ver en 'La sombra del iceberg', un gran documental que enfadó al hermano de Capa, Cornell Capa (algún día hablaremos del extraño caso del hermano que se pone el mismo seudónimo que su famoso pariente).

Y realmente importa poco. La fotografía es un símbolo contra la guerra. La gente grita el no a la guerra con esta imagen en la mente. Representa lo que no queremos, lo que no hace falta. Es la demostración del horror. Esa es su fuerza. No es verdad, pero a todos nos despierta un sentimiento antibelicista. Y eso no lo consiguen muchas fotografías de guerra...

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Ayer se presentó la nueva película de Mario Casas 'El fotógrafo de Mauthuasen'. Aprovechamos para recordar la figura de Francisco Boix que ayudó a condenar la barbarie nazi gracias a las fotografías que sacó del campo de concentración y que sirvieron de prueba durante los juicios de Nuremberg.

Ya hemos podido ver el primer tráiler de la esperada película de Mario Casas, una de las últimas estrellas del cine español. Es verdad que podemos apreciar los abdominales del actor y que parece que hay escenas de cama, pero seguro que aprenderemos historia y se convertirá en una habitual de las típicas listas de las películas que los fotógrafos no nos podemos perder. Y esperamos que se convierta en una imprescindible, a la altura de 'Ciudad de dios' o 'Bajo el fuego'.

La vida de Francisco Boix bien merece ser conocida y respetada. El año pasado se le rindió homenaje en París. Su cuerpo se trasladó al principal cementerio de la ciudad. Un acto al que asistieron pocas autoridades públicas. Al menos sí leyó unas palabras la alcaldesa parisina Anne Hidalgo:

Hoy honramos a un hombre, Francisco Boix, que marcó la historia con su valor, con su lucha contra el franquismo y contra el fascismo. Vivimos en un momento distinto del que conoció Boix. Pero también observamos con preocupación la forma en que la intolerancia y la desigualdad se expanden en toda Europa. Estamos aquí para mantener la promesa siempre inacabada de la libertad, la igualdad y la fraternidad, una promesa por la que Boix luchó toda su vida.

Vamos a conocer la vida y obra de un personaje clave en la historia del siglo XX. Y ya veremos cómo cuentan su historia en la película 'El fotógrafo de Mauthausen'.

El fotógrafo que guardó las fotografías del horror del campo de concentración de Mauthausen

Su vida empezó a ser conocida para el gran público gracias al documental 'Francisco Boix: un fotógrafo en el infierno' de Llorenç Soler. Él descubrió su historia y su archivo en 1974 peor no pudo rodar el documental hasta el año 2000. Quedará en la historia como el único testigo español que participó en el juicio de Nuremberg. Las fotografías que logró esconder fueron una prueba irrefutable de los horrores nazis.

Empezó en la fotografía gracias a su padre, un sastre de Poble Sec aficionado a la fotografía. Con 17 años fue como voluntario al frente para luchar contra los golpistas. Como colaboraba con el periódico 'Juliol', más que empuñar las armas disparaba con su cámara. Al terminar la guerra civil española se vio obligado a exiliarse y cruzar la frontera francesa, donde lejos de encontrar la paz muchos españoles encontraron la muerte.

Una vez en Francia se vieron confinados en campos de trabajo en muy malas condiciones. Pero lo peor estaba por llegar. Las tropas de Hitler avanzaban y entraron en París. Los refugiados de los campos de trabajo pasaron a ser prisioneros de los nazis en agosto de 1940. Todo se complicó para los españoles el 23 de octubre de 1940. En el famoso encuentro en la estación de Hendaya se decidió retirar la nacionalidad a los prisioneros republicanos y fueron llevados al campo de concentración de Mauthausen. Cerca de 8000 españoles perdieron allí toda esperanza.

Cartel de la película

Francisco Boix llegó al campo el 27 de enero de 1941 marcado como rotspanier (español rojo) con el número 5185. Y lo que le salvó fue saber alemán y ser fotógrafo. Estas dos cosas le permitieron tener ciertos privilegios, si se puede decir así, dentro del campo. Entró en el barracón 2, donde estaban los prisioneros que podían dar algún servicio a los nazis. Empezó como fotógrafo en 1943 gracias a otro fotógrafo español que ya trabajaba para ellos, Antonio García. Fotografiaba todo lo que le ordenaban. Y también revelaba todas las fotografías de los oficiales de las SS.

En un infierno donde todo rastro de vida se borraba en los crematorios quedaba la imagen, la fotografía. De todos los negativos que revelaba Francisco Boix se hacían tres copias: una para la Gestapo, la policia secreta nazi; otra para la Oficina Central de Seguridad del Reich y la última para el propio campo. Esas fotografías contarían al mundo la barbarie de los nazis.

La fotografía ayudó a enjuiciar a los nazis

Francisco Boix formaba parte de la organización del partido comunista dentro del campo. Su idea fue ganarse la confianza de los soldados para poder ayudar a los más desfavorecidos. Y fotografiar y revelar todo lo que acontecía allí, en el infierno.Hasta que tuvo una gran idea: sacar los negativos. Contactó con los miembros de su partido y después del desembarco de Normandía dieron el visto bueno.

Fotograma del tráiler

Encontraron contactos dentro y fuera del campo para lograr sacar los negativos después de hacer las copias. Parece ser que los escondían entre la ropa sucia y en los marcos de las puertas y ventanas. Para sacarlos del campo contaban con la ayuda de los poschacher, los hijos adolescentes de los presos republicanos. Ellos podían salir del campo para trabajar en empresas fieles al régimen. Y fueron los elegidos para llevar los negativos a Mme. Pointner, una señora del pueblo de Mauthausen.

Ella guardó todo el trabajo de Francisco Boix en su casa. El 5 de mayo de 1945 el campo fue liberado por los soldados americanos. Todos los que se habían organizado secretamente dentro del infierno tomaron las armas para defenderlo ante posibles represalias. Y nuestro protagonista decidió empuñar la Leica de los alemanes para fotografiar la liberación.

Fueron días convulsos. Pudo ir personalmente a casa de Mme. Pointner para recoger todos los negativos. Vivió momentos de felicidad pero también de horrible venganza como documentar el cruel interrogatorio del comandante del campo de concentración, Ziereis. Y sufrió de nuevo la incoherencia de los hombres sin cabeza con poder.

Stalin decidió que los comunistas que habían sobrevivido a los campos de concentración eran poco menos que traidores por no luchar hasta la muerte. Incluso se sugirió fusilar a toda la dirección comunista de Mauthausen. Vivieron la locura de los extremismos. Así que Boix, junto con sus compañeros, decidió guardar los negativos que demostrarían tarde o temprano la barbarie nazi.

El fin de la historia fotográfica de Francisco Boix

Él estaba convencido de la verdad de la fotografía. Y aunque sus compañeros más fieles le dijeron que se olvidara del tema decidió publicarlas en 'Regards'. Desde esta revista de izquierdas las fotografías conmocionaron al mundo.

Fotograma del tráiler

Gracias a la publicación le llamaron como testigo de cargo en el Juicio de Nuremberg de octubre de 1945. Gracias a su trabajo y a su testimonio condenaron a muchos responsables de la masacre nazi. Todo parecía tener un final feliz para nuestro protagonista. Se convirtió en un héroe y logró empezar a trabajar como fotógrafo de prensa en el París liberado. Y recorrer el mundo con la cámara al hombro... hasta 1948, cuando cubriendo el Tour de Francia sus riñones dicen basta y le llevan al hospital, donde muere con 30 años el 4 de julio de 1951.

Y desde entonces hasta 1974, cuando lo redescubre Llorenç Soler, no se volvió a saber nada de él. Espero que la película de Mario Casas ayude a conocer su historia y a no olvidar a uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Ya hablaremos de la película cuando podamos verla...

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Hace pocos años descubrí la figura de Saul Leiter. Fue en un taller de José Manuel Navia... Desde entonces es uno de mis autores favoritos. Es uno de los fotógrafos más originales del siglo XX y se le redescubrió para el gran público tres meses después de morir. Hoy está considerado un clásico.

Saul Leiter es uno de los mejores fotógrafos en color. Aunque su trabajo en blanco y negro también deja sin palabras, será recordado siempre como uno de los autores que mejor han sabido mirar en color. Su forma de disparar es única. Y de nuevo nos encontramos con alguien que prefiere la pintura a la fotografía. Algún día haremos un artículo en el que descubriremos a todos los fotógrafos pintores. Y no os extrañe descubrir que serán de los mejores.

Una de las grandes cualidades de Saul Leiter es su estilo. Su forma de ver en color. A través de un espejo, de un cristal, de gotas de lluvia o de la nieve que cae. Son fotografías deformadas por el día a día, que interpretan la realidad pero que conocemos desde siempre. No nos extrañan. Si hemos vivido en la ciudad las entendemos. La noche a través de los cristales del coche o del bus después de un día de trabajo. Las miradas de los desconocidos... Ese es Saul Leiter.

La historia de Saul Leiter

Aunque fue reconocido a lo largo de su carrera, la mayoría de los fotógrafos lo conocíamos de oídas. El documental 'In No Great Hurry: 13 Lessons in Life with Saul Leiter' (2014) hizo sonar todas las alarmas. Él murió tres meses antes. Había publicado ya 'Early color' (2006) y 'Early black and white' (2014). Pero el documental le abrió las puertas de la fama.

Su historia tiene mucho de película de superación. Es hijo de uno de los rabinos más importantes de Pittsburgh. Pero la pintura caló muy pronto en sus huesos. Todo se complicó aún más cuando su madre le regaló su primera cámara en 1935, una curiosa Detrola.

Contra la voluntad de su padre dejó la escuela talmúdica para ir a una escuela de arte en Nueva York en 1946. Hasta entonces solo había expuesto sus amadas pinturas. Pero la visita en 1947 a una exposición de Cartier Bresson y la amistad con Eugene Smith le llevan hacia la fotografía, con la que se ganará el sueldo a lo largo de su vida.

Saul Leiter, fotografía de este [vídeo](https://www.youtube.com/watch?v=B3wSjuImGu0)

En sus imágenes en blanco y negro predominan las masas negras que nos adentran en lo que nos quiere contar. Llama la atención el fuerte contraste y la exuberante sexualidad de muchas de sus fotografías. Desde el principio vemos algo que los occidentales no sabíamos. En todos sus disparos encontramos la lucidez de las sombras de la cultura japonesa. Ahí está su secreto.

En 1948 empieza a experimentar con el color. Y comienza una revolución en silencio que prácticamente no terminó de explotar hasta que lo vimos en 2014. Hasta entonces encontramos a un fotógrafo que trabajo para las revistas más importantes de la moda como 'Elle', 'Vogue', 'Esquire' (con los que fotografia a Gina Lollobrigida), 'Harper´s Bazaar'... Ahí está su fuente de ingresos. En las revistas que por aquellos años estaban dominadas por Richard Avedon o Irving Penn.

Poco o nada se sabía de Saul Leiter, que incluso vio a Cartier Bresson fotografiando su barrio en 1959, el East Village, le hizo una fotografía a sus espaldas y nunca se atrevió a saludarle. Esa es su marca personal. Su bendición y su desdicha. Un fotógrafo tranquilo.

La cultura japonesa de Saul Leiter

Antes ya lo he dicho, pero lo que descubrimos en sus trabajo, en todas y cada una de sus obras es el conocimiento y la admiración absolutas por la cultura japonesa. Algo que lo separa de los grandes fotógrafos del siglo XX, como los violentos, visualmente hablando, Robert Frank o William Klein. Y que lo acercan mucho más a Cartier Bresson. Pero siempre con un estilo personal.

En su biblioteca hay cientos de volúmenes de arte japonés: pintura, fotografía e incluso literatura. Lo más llamativo es que ni hablaba ni leía dicho idioma. Era una pura filia por la forma de entender el arte. De nuevo me he encontrado, como dice la comisaria de su exposición en Tokio, Pauline Vermare, 'El elogio de la sombra' de Tanizaki. En este pequeño ensayo apreciamos el valor de la penumbra frente a la luz.

Saul Leiter de este [vídeo](https://www.youtube.com/watch?v=B3wSjuImGu0)

Y eso es lo que destaca en la fotografía en color de Leiter. Lo escondido, la sombra, la luz de la penumbra que envuelve todo. Y el color, entendido como una forma de blanco y negro, porque solo trabaja con gamas, como principal baluarte de sus disparos. Y con una composición marcada por la pintura francesa de los impresionistas y de Bonnard, que le llevó de la mano al mundo japonés a través de sus cuadros.

Saul Leiter ha empezado a influir a muchos fotógrafos actuales. Su presencia se nota ya incluso en el cine, donde su obra inspiró la estética de 'Carol', una de las películas más fotográficas de los últimos tiempos. Recomiendo encarecidamente buscar en las librerías All about Saul Leiter, un catálogo bilingüe que nos abrirá nuestra forma de mirar.

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Aunque sin duda André Kertész esté entre los Grandes Maestros de la Fotografía esto no siempre fue así. Tal y como os contamos hace tiempo, este fotógrafo húngaro se quejó amargamente de no haber obtenido en vida el reconocimiento que merecía. Nosotros tampoco le hemos prestado mucha atención, cosa que nos proponemos corregir a continuación.

Su fotografía navegó entre el reflejo de la sociedad en la que vivía, con una mirada especial para los más desfavorecidos, y el surrealismo de muchas de sus imágenes, muy influenciado por las corrientes vanguardistas de principios del Siglo XX con la que tuvo un contacto muy directo gracias a los años pasados en París.

En cualquier caso, Kertész tuvo una vida intensa que puede dividirse en cuatro etapas, las primeras correspondientes a los tres principales lugares en los que vivió (su Hungría natal, el París de principios del SXX y el Nueva York de los años 30 y en adelante), más una última en la que (sin moverse de NY) por fin su trabajo fue reconocido a nivel internacional.

Hungría y la Primera Guerra Mundial

Nacido en Budapest en 1894, creció en el seno de una familia judía relativamente acomodada (su padre murió siendo él joven) y estudió comercio para trabajar en la Bolsa a pesar de que no le gustaba nada. Además, en su familia estaba mal visto que quisiese ser artista, por lo que tuvo que aprender fotografía de forma autodidacta y comprarse su primera cámara (una ICA de placas de 4,5×6 cm) con su primer sueldo.

Este joven durmiendo es considerada una de sus primeras obras.

Con ella se dedicó a hacer fotografías en su tiempo libre de los campesinos y los gitanos magiares (ahí empezó su interés por los temas sociales) además de los paisajes de la Gran Alföld (“la Gran Llanura Húngara”). En 1914, con 20 años, fue enviado al frente de batalla de la primera Guerrra Mundial, como parte del ejército austrohúngaro y allí se dedicó a hacer fotos. Aquellas imágenes mostraban cómo era la vida de los soldados en las trincheras, pero acabaron la mayoría destruidas durante la revolución húngara de 1919.

Aquello acabó cuando en 1915 Kertesz fue herido en un brazo (que quedó parcialmente paralizado) y le devolvieron a casa. Bueno a casa no, porque estuvo bastante tiempo hospitalizado, aunque lo aprovechó para seguir haciendo fotos. Una de ellas, ‘Nadador bajo el agua, Esztergom, 1917’, (que habéis visto en portada) es una de sus fotos más conocidas y muestra a un nadador distorsionado por el agua.

Aquella imagen formaba parte de una serie más amplia que se perdió, pero la idea inspiró a Kertész y provocó que años más tarde lo acabara materializando en una de sus series fotográficas más famosas titulada precisamente ‘Distorsions’. Por cierto que de aquella época (1917) data la publicación de su primera fotografía en la revista húngara Érdekes Újság.

Una fotografía de su serie 'Distorsions'.

Finalizada la guerra, Kertész regresó a su puesto en la bolsa de valores húngara donde conoció a Erzsebet Salomon (más tarde Elizabeth Saly), quien se convertiría en su esposa y modelo de muchas de sus fotografías. Por supuesto siguió haciendo fotos, incluso llegó a dejar el trabajo para tratar de dedicarse a la agricultura.

Pero finalmente la fotografía le tiró más y aunque ya hacía años que Budapest se le quedaba pequeño y pensaba en trasladarse a París, por entonces un hervidero cultural, no fue hasta 1925 cuando por fin se decidió a dar el salto. Y lo hizo en buena parte alentado por la publicación de una de sus fotos en la portada de aquella revista que en 1917 ya había elegido una de sus fotografías.

París, la ciudad de la luz

Así, finalmente y a pesar de no contar con la aprobación de su familia, en 1925 se mudó al París de las vanguardias (sin tener ni idea de francés y dejando atrás a Elizabeth hasta que pudiera establecerse) y no tardó en darse a conocer. Allí se cambió el nombre (originalmente era Andor) y se unió al creciente grupo de artistas que formaban parte del dadaísmo y demás vanguardias que se desarrollaban por aquella época, como el surrealismo y el cubismo.

Entre ellos, por supuesto, había fotógrafos como Man Ray, Germaine Krull, Brassaï y Robert Capa (estos dos últimos emigrados del Imperio Austrohúngaro como Kertész), pero también había otros artistas como Chagall o Mondrian. Precisamente en el estudio de éste último Kertész haría una de sus imágenes más famosas: ‘Chez Mondrian - 1926’ (“En casa de Mondrian”).

‘Chez Mondrian – 1926’

Aquello fue el comienzo de su etapa más reconocida (y, posiblemente, la más feliz) con una amplia producción fotográfica que incluía retratos de sus nuevos amigos y escenas callejeras, que a partir de 1928 realizaba ya con una Leica dejando atrás las placas. Su obra es expuesta y reconocida, publica en distintas revistas y recibe encargos de otras, realiza varios libros y también tiene tiempo para proyectos personales.

En 1933 retoma la idea de las distorsiones que materializa por fin creando la serie ‘Distorsions’, en la que mostraba los cuerpos desnudos de modelos reflejadas en un espejo deformante. En 1934 se publica una foto en el revolucionario semanario Vu y al año siguiente ya pasa a ser uno de sus principales fotógrafos.

‘La Danseuse burlesque – 1926’ otra de sus imágenes más famosas tomada en su época parisina

En el terreno personal, Kertész llegó a casarse en secreto con una fotógrafa francesa a finales de los años 20. Pero aquel matrimonio duró muy poco y Kertész volvió a Hungría en 1930 de visita y consiguió que Elizabeth se fuera con él poco después. Se casaron en 1933 y el fotógrafo empezó pasar menos tiempo con sus amigos artistas y fotógrafos para estar con su esposa, de la que no se separaría hasta el final de sus días.

Por entonces, el nazismo empezaba a emerger en Alemania y esto provocó un clima prebélico que hizo, entre otras cosas, que las revistas se volcarán en temas políticos que no interesaban a Kertész. Por eso, el fotógrafo empezó a tener menos trabajo y se planteó una nueva mudanza a “la tierra de las oportunidades”. Finalmente, en 1936, con un encargo para trabajar en los Estados Unidos y la Segunda Guerra Mundial en ciernes, se embarcaron ambos rumbo a Nueva York.

Otra imagen destacada de su etapa parisina.

En el “exilio” norteamericano

Kertész llegó a los Estados Unidos con la idea de darse a conocer como fotógrafo pero su periplo allí no fue fácil. Probablemente su traslado a los EE.UU salvó su vida y la de su esposa, pero también supuso el comienzo de una etapa negra para el fotógrafo, condenado al ostracismo por su origen húngaro (llegaron a prohibirle hacer fotos en exteriores por si era un espía) y el escaso interés de los editores americanos por su trabajo y talento.

Los discapacitados fueron uno de los temas que le llamaron la atención desde siempre.

Su ignorancia del idioma fue aún más perniciosa que en Francia y se encontró con que la vida en Manhattan era más dura de lo imaginado y que los americanos no eran tan amables cuando los fotografiaban como los parisinos. Solo y sin sus amigos “franceses” contactó con museos y medios estadounidenses que despreciaron su trabajo. En concreto, el director del departamento fotográfico del Museo de Arte Moderno de Nueva York criticó sus ‘Distorsions’, lo que sin duda no gustó a Kertész. Tampoco que la agencia Keystone, la que le había contratado, no cumpliera con las condiciones prometidas.

Todo esto le llevó pensar en la vuelta a París, pero para cuando reunió el dinero ya era imposible regresar por culpa de la guerra (y su origen judío). Por todo ello, años más tarde él mismo calificaría esta etapa como una “absoluta tragedia” que se alargó hasta la década de los sesenta. Y eso que en 1937 dejó de trabajar para Keystone y empezó a colaborar con revistas como Harper's Bazaar, Life y Look, aunque tuvo muchos problemas con sus editores por diversas razones que acabaron frustrándole.

Vogue también le ofreció un trabajo que él rechazó pensando que no iba a poder adaptarse a la forma en que se trabajaba en el mundo de la moda. También colaboró con la revista House & Garden de Condé Nast Publications quien en 1946 le ofreció un contrato de larga duración.

Un autorretrato del fotógrafo de 1976, cuando por fin empezó a tener el merecido reconocimiento.

Aquel trabajo por fin le permitido tener unos ingresos estables y vivir mejor tras muchos años de penurias. Y aunque los temas que fotografiaba eran limitados (y realizó pocos trabajos personales) y le obligaba a pasar mucho tiempo en el estudio, gracias a aquel trabajo Kertész recorrió los EE.UU visitando casas de famosos e incluso pudo salir del país y volver a París y Budapest.

También fue el comienzo de un nuevo período que supuso por fin cierto reconocimiento internacional, empezando por su primera exhibición internacional en 1946 en el Art Institute of Chicago formada principalmente por fotos de su serie ‘Day of Paris’.

Sin embargo el reconocimiento no llegó realmente hasta los años 60 cuando, ya liberado de su contrato con Condé Nast y tras recuperar por fin los negativos de su trabajo en Francia y Hungría (que habían quedado en París años atrás), intentó volver a la escena fotográfica internacional. En 1964, tras ser nombrado John Szarkowski nuevo Director de fotografía del MOMA, se inaugura la primera exposición de Kertesz en este Museo de Arte Moderno.

La muestra fue aclamada por la crítica y permitió que, por fin, Kertész fuera considerado una figura relevante dentro de los círculos fotográficos norteamericanos (claro que por entonces ya tenía 70 años). Fue a partir de entonces cuando pudo participar en numerosas exhibiciones por todo el mundo y recibió múltiples premios y condecoraciones.

Una de sus fotografías del Washington Square Park.

Por cierto que en 1952 se había mudado junto a su esposa a un apartamento cerca del Washington Square Park, lugar desde donde Kertész tomó algunas de sus mejores fotografías de esta etapa (mostrando el parque cubierto de nieve además de numerosas huellas y siluetas) gracias a un teleobjetivo. Este mismo apartamento fue el lugar donde vivían cuando Elizabeth murió (en 1977) por culpa del cáncer, y donde permaneció él hasta la suya (en 1985).

Fue allí también de pasó sus últimos años que en parte dedicó a hacer fotos con una cámara Polaroid que esta firma le regaló en los años 80. Por cierto que en 1984, un año antes de fallecer, André Kertész donó su legado (más de 100.000 negativos y 15.000 diapositivas en color, además de cartas y otros documentos personales) al Ministerio de Cultura francés.

Un “maestro de maestros”

Sin duda su vida no fue fácil y, como habéis visto, estuvo marcada por su lucha en busca del reconocimiento que él creía merecer, sobre todo a partir de su traslado al nuevo continente. Sin embargo hoy día es considerado como uno de los grandes maestros de la fotografía del Siglo XX, con una importante influencia sobre fotógrafos como Cartier Bresson o Brassaï.

Kertész (derecha) junto a Robert Doisneau en los Encuentros de Arlés (Francia) como invitado de la edición celebrada en 1975. Foto de Wikimedia Commons

Su obra, como comentábamos al principio, es bastante heterodoxa, con una buena parte de su trabajo que se encuadraría en el ámbito del fotoperiodismo y la fotografía callejera, con una mirada muy humanista. Por otro lado, otra parte de su producción estaría casi “en la otra punta”, con esas fotografías de cuerpos distorsionados fruto de sus coqueteos directos con el surrealismo y otras vanguardias.

En su trabajo tuvo mucho que ver una idea según la cual Kertész atribuía a la fotografía la capacidad de registrar la naturaleza real de las cosas. Por eso, su estilo fotográfico se basaba en una mirada lúcida, personal y muy íntima, casi poética. Fruto de ello son unas composiciones muy armónicas, con todos los elementos en su sitio y una gran capacidad para captar el momento adecuado. Sin duda un genio que merece nuestro reconocimiento.

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Todas las fotografías de Andre Kertesz extraídas del album Photography-Masters de Retrogasm

El primer siglo de la fotografía fue una constante experimentación de cómo lograr las tomas, así implique crear una cámara desde ceros. Casos importantes hemos visto, cómo la cámara macro de David Fairchild hacia 1913. Pero esta es una de las construcciones fotográficas más emblemáticas: “La fotografía más grande del mundo del tren más hermoso del mundo.”

En 1899, el fotógrafo George R. Lawrence fue convocado por la compañía de trenes Chicago & Alton Railway. El propósito era fotografiar un tren muy especial que había sido construído con un estilo único para la época: Carros del mismo tamaño desde el vagón principal al trasero, una locomotora del mismo tamaño que los carros y un diseño que era estético y parejo. Hay que tener en cuenta que los trenes en aquella época eran un popurrí de carros de distintos materiales y estilos.

Como cuenta Atlasobscura, la cámara diseñada por Lawrence permitía cargar una placa de 3,04 metros de largo por 1,8 metros de alto. En el frontal contaba con una óptica diseñada y patentada por Carl Zeizz, el objetivo más grande que se había creado. Tenía un peso de 408 kilogramos. La fotografía final tenía unas dimensiones de 2,4 metros de largo por 1,37 metros de alto. Un gran equipo de personas tuvieron que cargar la cámara en distintos medios de transporte para llevarla al lugar de la toma. Se requirió de 15 personas para operar la cámara el día de la foto. Fue bautizada como 'Mamut'.

El trabajo de Lawrence le dio el gran honor de Excelencia Fotográfica Mundial, otorgado durante la Exposición de París. Aunque el fotógrafo fue puesto a prueba, pues la comunidad fotográfica no podía creer que una placa de ese tamaño pudiera existir o incluso ser revelada. Tras mostrar las pruebas suficientes Lawrence mantuvo en pié su nombre y su eslogan “Los hasta ahora imposibles de la fotografía son nuestra especialidad”. Además, de paso motivó a nuevos fotógrafos a seguir su ejemplo en la actualidad.

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Imágenes | Indiana Historical Society (web)

Richard Avedon es uno de los mejores fotógrafos de la historia. Y tiene algunas de las obras más importantes de la fotografía. Hoy nos vamos a fijar en uno de sus míticos retratos más perturbadores, el célebre 'Retrato de los duques de Windsor' en el que fue capaz de reflejar la realidad de una pareja que intentó engañar al mundo.

No podemos olvidar que estamos ante un retrato de la realeza. Que estamos en el año 1957 y que los duques eran de la nobleza europea. Que vendieron una historia de amor que encandiló al mundo entero. Y Richard Avedon tuvo el poder de desenmascararles con una fotografía certera que no les gustó y aún así, se publicó. En el hotel Waldorf Astoria, en la suite 28A, también es posible la humanidad.

Solo tenía una hora para fotografiarles. Y ellos no quisieron poner las cosas fáciles, no les caía bien. Querían un retrato al uso. Ellos se creían grandes porque sus familiares, por privilegios de sangre, lo eran. Y querían salir como lo hicieron sus antepasados: altivos, inalcanzables, perfectos...

Así que a Richard Avedon se le ocurrió contarles una mentira cruel. Una mentira que sabía que iba a hacer daño a los duques. Les dijo que había atropellado a un perro al llegar al hotel. Eso cambió la expresión de los personajes, obsesionados con los perros, y él consiguió la fotografía más natural de los nobles. Esa fotografía pasó a la historia y desarmó a todos.

Detalle

Las expresiones de ambos no se corresponden con lo que espera un espectador. Espera algo amable, directo y cercano. No espera esa mirada desasosegada del duque y el desconcierto de la duquesa. Puede parecer cruel. Pero las fotografías de Richard Avedon destilan una psicología que explica todos y cada uno de sus trabajos. No solo se parece a Goya por el uso genial del fondo neutro.

La historia que Richard Avedon quiso contar en una fotografía

Antes de llevarse las manos a la cabeza tenemos que conocer el contexto. Richard Avedon era uno de los fotógrafos más prestigiosos de Nueva York. Y por extensión, del mundo. Había alcanzado una posición única en el mundo de la fotografía. Creó un estilo propio a partir de la devoción que sentía por Martin Munkácsi. La fotografía de moda cambió desde que él empezó a trabajar con su Rolleiflex.

Él fue el que dio vida a las modelos. Gracias a él ríen, lloran, bailan y juegan. Simbolizan el estilo de las ropas que llevan. Y fue capaz de llevar al extremo la psicología de los grandes maestros de la pintura. Cada retrato suyo bebe de las fuentes de Goya o Velázquez. Con solo mirarlos somos capaces de entender cómo son las personas que retratan. Y por supuesto cómo era él mismo.

Uno de los momentos más dolorosos de su vida, la muerte de su hermana en una institución mental, le marcaron de tal modo que fue incapaz de ver la belleza como algo estático y digno de devoción. Quizás no pudo olvidar las palabras de su madre a su hermana: 'Eres tan hermosa que no necesitas hablar'. Y se negó rotundamente a seguir el consejo familiar. Así que siempre enseñaría la verdad.

En un libro de Richard Avedon

El duque de Windsor fue el rey Eduardo VIII pero abdicó para poder casarse con Wallis Simpson, una rica mujer de los Estados Unidos. En aquella época fue un escándalo que se casará con el duque después de dos divorcios... Pero más polémico fue la simpatía del matrimonio hacia Hitler, con el que se llegaron a entrevistar como representantes de su país. Era tanta la simpatía del dictador al matrimonio que incluso lamentó su abdicación. Y desde entonces era vox populi la relación de los duques con las ideas del nazismo.

Y eso es lo que quiso sacar Richard Avedon en la famosa fotografía. La venganza de un fotógrafo de familia judía. Incluso se cuenta que la idea le vino al recordar como sus padres preparaban las instantáneas familiares con coches y perros que no eran suyos... En esta foto también están presentes, aunque de otra forma... De todas formas, Avedon fue claro. Uno de sus comentarios recurrentes al hablar sobre dicha imagen es que estos señores amaban más a los perros que al pueblo judío.

Es un ejemplo perfecto de una buena fotografía de retrato. No hay que hacer una fotografía de carnet, sino mostrar la cruda realidad que cada uno quiere esconder. Y esta imagen dura, directa, en primer plano, implacable al mostrar el paso del tiempo en su versión más cruda. No vemos solo a los duques. Podemos adivinar la mirada de Richard Avedon.

En Xataka Foto| Oda personal al gran Richard Avedon

Todos hemos oído decir aquello de que “si tu foto no es lo suficientemente buena es porque no estabas lo suficientemente cerca”. Esa mítica frase del gran Robert Capa es de las más famosas, pero a lo largo de la historia de la fotografía ha habido muchos otros que (además de hacer buenas fotos) han dejado para la posteridad algunas citas de esas que merecen una lectura atenta por parte de todos los que amamos este arte.

Por eso os traemos esta recopilación de 100 de las mejores frases de fotógrafos de todos los tiempos que han realizado los colegas de Digital Camera World y que esperamos os sean muy inspiradoras. Como vais a ver, las frases están organizadas de acuerdo a distintos temas, y por cuestiones prácticas os las ofrecemos divididas en dos partes. Sin más, vamos a ello:

¿Qué es la fotografía?

1. “La fotografía para mí no es mirar, es sentir. Si no puedes sentir lo que estás mirando, entonces nunca lograrás que los demás sientan nada cuando miren tus fotos”, Don McCullin.

Foto de Don McCullin extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

2. “Hacer una fotografía es más bien como escribir un párrafo o una pieza corta, y realizar una serie completa de fotografías es como producir un escrito de muchas maneras. Existe la posibilidad de hacer declaraciones coherentes de una manera interesante, sutil y compleja”, David Goldblatt.

3. “La fotografía es una respuesta que tiene que ver con el reconocimiento momentáneo de las cosas. De repente estás vivo. Un minuto después no hay nadie. Acabo de ver cómo se evapora. Miras en un momento y hay de todo, al momento siguiente se va. La fotografía es muy filosófica”, Joel Meyerowitz.

4. “Fotografía con sinceridad y eficacia es ver debajo de las superficies”, Ansel Adams.

5. “Fotografiar un pastel puede ser arte”, Irving Penn.

6. “No se puede enseñar a la gente a hacer fotografías, deben aprenderlo de la mejor manera posible. Pueden aprender mirando imágenes ... pero en realidad no se relacionan íntimamente con el medio hasta que han logrado algunas malas tomas”, Cecil Beaton.

7. “El alfabeto no es lo importante. Lo importante es lo que estás escribiendo, lo que estás expresando. Lo mismo ocurre con la fotografía”, Andre Kertesz.

Foto de Andre Kertesz extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

8. “Mucha gente parece pensar que el arte o la fotografía tienen que ver con la apariencia de las cosas o su superficie [...] No entienden que no se trata de un estilo, una apariencia o una configuración. Se trata de obsesión emocional y de empatía”, Nan Goldin.

¿Qué determina una buena foto?

9. “Si te hace reír, si te hace llorar, si te arranca el corazón, esa es una buena fotografía”, Eddie Adams.

10. “La fotografía es verdad. Y el cine es verdad veinticuatro veces por segundo”, Jean-Luc Godard.

11. “Si no tienes nada que decir, tus fotografías no van a decir mucho”, Gordon Parks.

12. “Las mejores imágenes se diferencian por matices ... Una relación pequeña, ya sea una armonía o una discrepancia, crea una imagen”, Ernst Haas.

Foto de Ernst Haas extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

13. “El hecho de que la gente use Instagram y tome fotos con teléfonos móviles no significa que las imágenes sean significativas, de la misma manera que un texto que alguien envía a un amigo no es una gran literatura. ¿Es algo que va a permanecer? ¿Nos va a inspirar?”, Steve McCurry.

14. “Para mí, una fotografía es una página de la vida, y esa es la cuestión, debe ser real”, Weegee.

15. “Una buena fotografía es como un buen sabueso, tonto pero elocuente”, Eugène Atget.

16. “Las mejores imágenes son las que conservan su fuerza e impacto a lo largo de los años, independientemente de la cantidad de veces que se vean”, Anne Geddes.

17. “Una fotografía es una colisión entre una persona con una cámara y la realidad. La fotografía suele ser tan interesante como la colisión”, Charles Harbutt.

18. “Una buena imagen nace de un estado de gracia. Esta se manifiesta cuando uno se libera de las convenciones, libre como niño en su primer descubrimiento de la realidad. El juego es organizar el triángulo”, Sergio Larrain.

Sobre los principios fundamentales de la fotografía

19. “La fotografía no se trata de lo fotografiado. Se trata de cómo se ve esa cosa fotografiada”, Garry Winogrand.

20. “La magia de la fotografía es metafísica. Lo que ves en ella no es lo que viste en ese momento. La verdadera habilidad de la fotografía es la mentira visual organizada”, Terence Donovan.

21. “Se necesita mucha imaginación para ser un buen fotógrafo. Se necesita menos imaginación para ser pintor porque se puede inventar cosas, pero en fotografía ... Se necesita mucho mirar antes de aprender a ver lo extraordinario”, David Bailey.

Foto de David Bailey extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

22. “Por supuesto, siempre habrá aquellos que solo miran la técnica, que preguntan ‘cómo’, mientras que otros, de naturaleza más curiosa, preguntan ‘por qué’. Personalmente siempre he preferido la inspiración a la información”, Man Ray.

23. “La fotografía es un medio en el que si no disparas a menudo no lo haces del todo, porque las cosas no ocurren dos veces. Una roca probablemente siempre será más o menos exactamente como la viste ayer. Pero otras cosas cambian, no siempre están ahí el día después o la semana posterior”, Paul Strand.

24. “En última instancia, la simplicidad es el objetivo en todas las obras de arte, y lograr la simplicidad es una de las cosas más difíciles de hacer; sin embargo, es la más esencial”, Pete Turner.

25. “Debes dejar que la persona que mira la fotografía haga algo para terminarla. Deberías ofrecerles una semilla que crecerá y les abrirá la mente”, Robert Doisneau.

26. “Toda la técnica en el mundo no compensa la incapacidad de darse cuenta de algo”, Elliott Erwitt.

Foto de Elliott Erwitt extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Sobre cómo enfrentarse a una sesión fotográfica

27. “No dispares a lo que parece, hazlo a lo que transmite”, David Alan Harvey.

28. “Nunca le dediques demasiado tiempo a una cosa, porque tu alma está en esa imagen”, Ruth Bernhard.

29. “La clave es fotografiar tus obsesiones; ya sean manos de gente mayor o rascacielos. Piensa en un lienzo en blanco, porque eso es lo que tienes, y luego piensa en lo que quieres ver, nadie más”, David Lachapelle.

30. “Mis palabras favoritas son posibilidades, oportunidades y curiosidad. Si tiene curiosidad, crea oportunidades, y si abre las puertas crea posibilidades”, Mario Testino.

31. “La satisfacción viene de trabajar junto a 500 fotógrafos y salir con algo diferente”, David Burnett.

Foto de Robert Capa extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

32. “Creo que una fotografía, de lo que sea (un paisaje, una persona…) requiere una participación personal. Eso significa conocer a tu sujeto, no solo criticar lo que está frente a ti”, Frans Lanting.

33. “No puedo decirte cuántas fotos me he perdido, ignorado, pisoteado o por cualquier otra razón, solo porque estaba empeñado en obtener la toma que yo creía que quería”, Joe McNally.

34. “Trata de entender no solo que vivimos en un determinado edificio o en un lugar concreto, sino que debemos tomar conciencia de que vivimos en un planeta que está avanzando a gran velocidad a través del universo. Para mí es más un sinónimo. Yo leo una foto no por lo que realmente está sucediendo allí, sino más por lo que está sucediendo en nuestro mundo en general”, Andreas Gursky.

35. “La trampa de la fotografía es que puedes terminar mirando todo a través de una cámara, en lugar de verlo por ti mismo. El visor te aísla. Cuando miras a través de uno estás eliminando todo lo demás de tu visión. La cámara puede abrir muchas puertas, pero a veces es necesario dejarla de lado y vivir”, Maggie Steber.

36. “Si hubiera sabido cómo sería la foto no lo haría. Es casi como si ya estuviera hecha ... El desafío es más sobre tratar de hacer lo que no se puede pensar”, Cindy Sherman.

Foto de Cartier Bresson extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Sobre la importancia del instinto

37. “Si quieres hacer buenas fotografías la cámara tiene que ser una segunda piel para ti. Dedicar demasiada atención a las decisiones técnicas puede interferir en tus procesos creativos”, Robert Farber.

38. “Sería un error suponer que cualquiera de las mejores fotografías se obtienen mediante un proceso inteligible; es como todo arte, esencialmente el resultado de un proceso intuitivo, recurriendo a todo lo que el artista es, más que a cualquier cosa que él piense y mucho menos a lo que sepa”, Helen Levitt.

39. “Me parece que las mujeres tienen más posibilidades de éxito en la fotografía que los hombres ... Las mujeres son más rápidas y más adaptable. Y creo que tienen una intuición que les ayuda a comprender las personalidades más rápidamente que los hombres”, Lee Miller.

Foto de Lee Miller extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

40. “Es muy difícil decir hacia dónde vas hasta que llegas. Ese tipo de cosas se basa mucho en el instinto. Como fotógrafo, una de las lecciones más importantes que aprendí es que debes aprender a escuchar y confiar en tu propio instinto. Me ha ayudado a guiarme, al menos por ahora”, James Nachtwey.

41. “La técnica sin duda ayuda a hacer la fotografía mágica, pero prefiero trabajar con la atmósfera. Creo que la obsesión por la técnica es algo masculino. Juguetes de chicos. Les encanta jugar ... Pero una vez que hayas perfeccionado algo, debes comenzar a buscar un juguete nuevo. Prefiero buscar un nuevo modelo o ubicación”, Ellen von Unwerth.

42. “La fotografía concentra el ojo en lo superficial. Por esa razón oscurece la vida oculta que brilla a través de los contornos de las cosas, como un juego de luces y sombras. Uno no puede atrapar eso incluso con la lente más nítida. Uno tiene que andar a tientas para sentirlo”, Franz Kafka.

43. “Consultar las reglas de composición antes de hacer una fotografía es como consultar la Ley de la gravedad antes de salir a caminar”, Edward Weston.

Foto de Edward Weston extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

44. “*Las mejores fotos ocurren cuando te mueves al margen de tu propia comprensión. Ahí es donde es probable que surjan la duda y los riesgos. Cuando uno confía en lo que sucede a un nivel no intelectual, no consciente, puede producirse un trabajo que luego resuene, a menudo de una manera en la que no puede articular una respuesta *”, Jerry Uelsmann.

45. “*El secreto de la fotografía es que la cámara adquiere el carácter y la personalidad del que la lleva”**. Walker Evans.

46. ”La cámara es un instrumento notable. Empápate de tu sujeto y la cámara te llevará de la mano”, Margaret Bourke-White.

Foto de Margaret Bourke-White extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

47. “*Nace un testigo y se unen los rompecabezas en el momento fotográfico, que es muy simple y completo. El dedo índice presiona la liberación de la tonta máquina y detiene el tiempo y retiene lo que las mandíbulas pueden abarcar y lo que la luz manchará”**, Lee Friedlander.

Sobre la técnica fotográfica

48. “La artificiosidad autoconsciente es fatal, pero ciertamente no afectaría estudiar la composición en general. Tener una comprensión básica de la composición ayudaría a construir una imagen mejor organizada”, Berenice Abbott.

Foto de Berenice Abbott extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

49. “Directamente me acerco a la gente, y lo hago porque es la única forma en que se puede conseguir la foto. Debes acercarte. Incluso ahora, no me resulta fácil. No pido permiso ni me anuncio. Simulo estar enfocando a otro lado. Si tomas una foto de alguien es muy difícil no mirarla justo después, pero es la única cosa que da el juego de distancia. No trato de esconder lo que estoy haciendo, sería una locura”, Martin Parr.

50. “El Blanco y negro son los colores de la fotografía. Para mí simbolizan las alternativas de esperanza y desesperación a las que la humanidad está sometida para siempre”, Robert Frank.

Foto de Cecil Beaton extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

¿Qué os parecen? Esperamos que os haya resultado inspiradoras y os emplazamos a leer la segunda parte de las frases célebres dichas por fotógrafos.

En Xataka Foto | 100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos (y II)

Foto de portada | Autorretrato de Lee Friedlander extraído del album Photography-Masters de Retrogasm

Terminamos el especial sobre frases inspiradoras de grandes fotógrafos que empezamos ayer con las primeras cincuenta sentencias. En esta ocasión vamos a ir con las restantes entre las que vais a encontrar citas igualmente interesantes de fotógrafos de todos los tiempos.

Sobre técnica fotográfica (continuación)

51. “Cuanto más específico seas, más general será”, Diane Arbus.

52. “Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas, es que no estás lo suficientemente cerca”, Robert Capa.

Foto de Robert Capa extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

53. “Al hacer una toma estás siendo selectivo, luego editas las imágenes que deseas publicar y vuelves a ser selectivo. Desarrollas un punto de vista que quieres. Intentas entrar en una situación con la mente abierta, pero luego formas una opinión y la expresas en tus fotografías”, Mary Ellen Mark.

54. “Limita tus herramientas, concéntrate en una cosa y haz que funcione... Te vuelves muy inventivo con las restricciones que te impones”. Anton Corbijn.

55. “Muchos fotógrafos piensan que si compran una cámara mejor podrán tomar mejores fotografías. Una cámara mejor no hará nada por ti si no tienes nada en la cabeza o en el corazón”, Arnold Newman.

56. “Eres responsable de cada parte de tu imagen, incluso las que no te interesan”, Jay Maisel.

57. “La pieza más importante del equipo después de la cámara es un buen par de zapatos. Un escritor puede trabajar desde la habitación de un hotel, pero un fotógrafo tiene que estar allí, por lo que tiene que caminar mucho”, David Hurn.

58. “Durante el trabajo, debes estar seguro de que no has dejado ningún agujero, de que has capturado todo, porque después será demasiado tarde”, Henry Cartier-Bresson.

59. “Por mucho que juegues con los colores o los papeles de impresión nada transformará una fotografía común en otra cosa que no sea una fotografía común”, Bill Brandt.

Foto de Bill Brandt extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

60. “Estoy muy preocupado por perfeccionar mi técnica algún día. Tengo que decir que es desafortunado ver cuántas de mis imágenes dependen de algún error técnico”, Sally Mann.

61. “Aquellos que quieren ser fotógrafos serios realmente van a tener que editar su trabajo. Tendrás que entender lo que estás haciendo. Y vas a tener que hacer algo más que disparar, disparar y disparar. Pararte a mirar tu trabajo es lo más importante que puedes hacer”, Annie Leibovitz.

62. “Si quieres ser mejor fotógrafo, ponte delante de cosas más interesantes”, Jim Richardson.

63. “Nunca dejes de mirar, no importa dónde estés, en todas partes hay buenas fotografías”, Art Wolfe.

64. “Te vuelves técnicamente hábil, quieras o no, cuantas más fotos tomas”, William Eggleston.

65. “Mira muchas exhibiciones y libros, y no te obsesiones con las cámaras y las cosas técnicas. La fotografía es sobre imágenes”, Fay Godwin.

66. “Cuantas más fotos veas, mejor serás como fotógrafo”, Robert Mapplethorpe.

67. “Uno de los errores más grandes que cometen los fotógrafos es no tener un trabajo que defina sus intereses y fortalezas. Nadie te va a contratar por lo que dices que te gusta hacer. Tienes que demostrarles que eres capaz de hacerlo primero”, Ami Vitale.

68. “Sé tú mismo. Prefiero ver algo, aunque sea torpe, que no se parezca al trabajo de otra persona”, William Klein.

Foto de William Klein extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

69. “El azar siempre está ahí. Todos lo usamos. La diferencia es que un mal fotógrafo se encuentra con ello una vez cada cien, y un buen fotógrafo encuentra oportunidades todo el tiempo”, Brassaï.

70. “Un fotógrafo es un acróbata pisando el hilo del azar, intentando capturar estrellas fugaces”, Guy Le Querrec.

71. “Hay un momento breve en el que todo lo que hay en la mente y el alma del hombre se refleja en el espíritu a través de sus ojos, sus manos y su actitud. Ese es el momento de disparar”, Yousuf Karsh.

72. “Solo obtienes un amanecer y un atardecer al día, y solo pasas un determinado número de días en la Tierra. Un buen fotógrafo hace sus cálculos y no desperdicia el tiempo”, Galen Rowell.

Sobre cómo retratar a las personas

73. “Una cosa es hacerse una idea de cómo es una persona; otra cosa es hacer un retrato de quién es”, Paul Caponigro.

74. “Un primer plano fotográfico es quizás la forma más pura de retrato, creando un enfrentamiento entre el espectador y el sujeto que la interacción diaria hace imposible, o al menos descortés”, Martin Schoeller.

75. “Para mí, la cara (los ojos, la expresión de la boca) es lo que refleja el carácter. Es la única parte del cuerpo que nos permite ver a la persona por dentro”, Philippe Halsman.

76. “Todos tenemos una especie de máscara de expresión. Dices adiós, sonríes, tienes miedo. Intento quitar todas estas máscaras y poco a poco restar hasta que quede algo puro. Una especie de abandono, una especie de ausencia”, Paolo Roversi.

77. “Nunca pienso en un disparo antes de hacerlo. Porque no hay una fórmula para las personas. Lo que trato de hacer es quitar todo en lugar de ir con nociones preconcebidas. Si hago eso, podría extrañar una gema o una joya que la persona me ofrece”, Platon.

Foto de Eve Arnold extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

78. “Las personas son conscientes del poder de una cámara, y esto instintivamente hace que la mayoría se sientan incómodas y rígidas. Pero me enseñaron a permanecer en un lugar lo suficiente, sin fotografiar, para que la gente se sintiera cómoda conmigo y con la presencia de la cámara”, Lynsey Addario.

79. “Un buen retrato es la relación que se establece entre dos personas, tiene que haber alguien delante de la cámara y alguien detrás”, Jeanloup Sieff.

80. “No importa si estás fotografiando a un portero en un mercado en Marrakech o al rey de Marruecos. Tienes que tener el mismo enfoque compasivo para todos. En general, tienes que ser amable con todos”, Albert Watson.

81. “Con la mayoría de las personas a las que he tomado fotografías he tenido una conversación. ‘¿Cuáles son tus metas y aspiraciones?’ ‘¿De qué se trata?’ No se trata solo de que yo capture la imagen, sino que quiero saber de qué se trata”, Jamel Shabazz.

82. “Un retrato no está hecho en la cámara sino a cada lado de ella”, Edward Steichen.

83. “El fotógrafo, incluso en la moda y el retrato, tiene que tener un punto de vista. Es importante saber lo que representa ¿no? La mayoría de la gente solo toma fotos que no representan nada. Siguen las tendencias y no saben porqué”, Peter Lindbergh.

84. “No necesito saber nada sobre las personas que fotografío, pero es importante que reconozca algo de mí mismo en ellas”, Rineke Dijkstra.

Sobre cómo encontrar tu pasión

85. “Si pasa un día sin que haga algo relacionado con la fotografía, es como si hubiera descuidado algo esencial para mi existencia”, Richard Avedon.

86. “¿Cuál de mis fotografías es mi favorita? La que voy a hacer mañana”, Imogen Cunningham.

Foto de Imogen Cunningham extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

87. “No hay una línea divisoria entre aventura y fotografía”, Chris Noble.

88. “Hay un momento en que la gente dice que tu trabajo es revolucionario, pero tienes que seguir siendo revolucionario. No puedo seguir retratando a estrellas del pop toda mi vida. Tienes que seguir cambiando, seguir presionándote, buscando lo nuevo, lo inusual”, Rankin.

89. “Uno realmente debería usar la cámara como si mañana fuera a ser ciego”, Dorothy Lange.

90. “La fotografía es algo que aprendes a amar muy rápido. Sé que muchas, muchas cosas me van a pedir que me tomen fotos y las tomaré todas”, Jacques-Henri Lartigue.

91. “Creo que si alguna vez me siento satisfecho, tendré que parar. Es la frustración lo que te impulsa”, Eve Arnold.

Las mejores citas cortas

92. “Fotografía solo lo que amas”, Tim Walker.

93. “No escribí las reglas. ¿Por qué debería seguirlas?”, W. Eugene Smith.

94. “Si pudiera contar la historia en palabras, no tendría que cargar con una cámara”, Lewis Hine.

95. “Los primeros diez mil disparos son los peores”, Helmut Newton.

Foto de Helmut Newton extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

96. “Fotografía: Tantos intentos, tan pocas obras maestras”, James Elliott.

97. “Por cada negativo que acaba en desilusión, hay uno que es una alegría”, Edward S Curtis.

98. “Fotografía es 1% de inspiración y 99% de muebles en movimiento”, Gregory Heisler.

99. “Es más importante hacer clic con la gente que hacer clic en el obturador”, Alfred Eisenstaedt.

100. “La gran fotografía es sobre la profundidad de los sentimientos, no sobre la profundidad de campo”, Peter Adams.

Foto de Andreas Feininger extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Con esto hemos terminado con las frases célebres de fotógrafos. ¿Qué os han parecido? ¿Echáis en falta alguna que queráis añadir?

En Xataka Foto | 100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos (I)

Vía | Digital Camera World

Foto de portada | Autorretrato de Vivian Maier extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Esta semana se ha inaugurado la exposición 'Humberto Rivas' en la sala Fundación Mapfre Bárbara de Braganza. Es una retrospectiva del fotógrafo hispanoargentino que recibió el Premio Nacional de Fotografía en 1997. En ella nos encontraremos un trabajo dedicado al retrato y al paisaje donde la luz es solo una ilusión.

Humberto Rivas tiene un estilo personal. Saca luz de las sombras. En sus exquisitos positivos se ven más matices del negro que del blanco. Me imagino que será una pesadilla publicar sus fotografías plagadas de sombras (las reproducciones de prensa son excesivamente claras). Por eso es una suerte poder contemplar sus trabajos en la Fundación Mapfre. Y como es norma de la casa, copias vintage para entender exactamente cómo veía el autor su propio trabajo. Tiene un valor incalculable para entender la forma de mirar de Humberto Rivas.

No es un fotógrafo espectacular. No trabaja con grandes formatos aunque disparaba con cámaras de placas. Pero si somos capaces de adentrarnos en su particular mundo nos daremos cuenta de que estamos ante un fotógrafo único y personal. No marcó una época dentro de la fotografía española pero no podemos dejar de mirar sus disparos certeros en la penumbra.

Humberto Rivas. De la pintura a la fotografía

De nuevo nos encontramos con un autor que fue pintor antes que fotógrafo. Allá, en Argentina empezó con la pintura. Incluso ganó premios y uno de sus dibujos está en el MOMA de Nueva York. Pero pasará a la historia por la fotografía. Como afición formaba parte de un grupo fotográfico que seguía las ideas de Otto Steinert sobre la subjetividad de la imagen.

La fotografía no representa la realidad, sino la forma de ver la realidad de cada uno. Al fin y al cabo, la forma de pensar el mundo. Y Humberto Rivas no abandonó jamás esta forma de trabajar. Es increíble como, a lo largo de la retrospectiva no vemos un cambio en la forma de mirar. Empezó con unos principios que mantuvo hasta el final.

En 1972 realizó un viaje con su mujer que daría lugar a su serie 'Norte'. Y ahí es donde aparecen la esencia de sus retratos, sus paisajes rotos y esa luz que nunca abandonó. Y en 1976 todo cambió para seguir igual. Llegó a Barcelona con su familia y contactó con los fotógrafos que bebieron de la fuente del grupo Afal y estaban dispuestos a decir cosas distintas, lejos de la fotografía documental con la que los maestros habían abierto el camino en España.

La fotografía de Humberto Rivas en España

Todos giraban alrededor de la galería Spectrum y su fundador, Albert Guspi. Allí estaban Toni Catany, Manel Esclusa, Joan Fontcuberta, Pere Forminguera.... Y en Barcelona, inspirado por el aire renovador de aquellos años, llevó su forma de mirar al nivel que podemos contemplar en la exposición.

Empezó con el blanco y negro por la calidad tonal que podía conseguir en el laboratorio. En los años 80 empezó a experimentar con el color gracias al proceso Cibachrome, que permitía pasar a papel las diapositivas en una superficie metálica única y durarera. El uso del color fue quizás el mayor cambio en su estilo. Pero un color muy parecido al blanco y negro, donde ningún tono destaca y donde todavía domina la luz perdida del amanecer o las últimas horas de la tarde.

La melancolía, el reflejo del paso del tiempo y la luz son sus señas de identidad. Y sus retratos no son distintos. Solo cambia la luz que los ilumina. Y no son rostros perfectos. Son verdaderos, con las marcas del paso del tiempo y de la experiencia. En la mayoría de los casos con un fondo neutro como podemos ver en Avedon si tuviera la mirada de Diane Arbus.

La exposición en la Fundación Mapfre

Humberto Rivas murió en 2009. Desde entonces no hemos visto una retrospectiva de su trabajo como la que podemos disfrutar en Madrid hasta el 5 de enero de 2019. En las dos plantas de la sala (todavía recuerdo la antigua sede de la zona de Azca) tendremos la ocasión de descubrir una mirada única, donde descubrir las influencias de los grandes maestros norteamericanos del retrato y esa luz que solo podíamos ver en las pinturas de Magritte. Esas luces tenues envueltas por la noche oscura que tanto intrigan.

Son 180 fotografías que van de los primeros trabajos hasta 2005. También podemos contemplar numeroso material de archivo. Todo viene del Archivo Humberto Rivas y de los museos y colecciones que albergan su obra: MNAC, IVAM o MNCARS. Es una ocasión única para ver todo su trabajo organizado de forma cronológica. Es uno de los mejores ejemplos de la fuerza que tiene creer en una forma de trabajar y profundizar en ella hasta el final de tus días.

‘Humberto Rivas’

Del 21 de septiembre al 5 de enero de 2019al Sala Fundación MAPFRE Recoletos Madrid

Paseo de Recoletos, 23 28004 Madrid

Entrada general: 3€ Entrada reducida: 2€ Entrada gratuita todos los lunes no festivos de 14 a 20 horas.

Fundación Mapfre

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Brassaï, el primer fotógrafo que fotografió la noche

El glamour es una de las ramas de la fotografía de retrato más comerciales que existen. En este tipo de fotografía se busca mezclar el estilo, destacando el mejor ángulo del sujeto, sus habilidades frente a la cámara y hacer que todos deseen a esa persona. Es, a su vez, una gran escuela de retrato clásico que hay que observar.

Por eso hoy os traemos tres consejos basados en el trabajo de George Hurrell, uno de los retratistas de glamour más representativos de la historia de la fotografía.

No pasar un chance

La historia de Hurrell comienza cuando estudiaba arte. Durante la universidad, él se enfocaba en la pintura. La fotografía era un elemento de lado que servía para capturar referencias de elementos y escenas que pudieran servir para su arte.

Es durante la escuela que él conoce un maestro de la escuela que lo invita a Laguna Beach a vivir una temporada y estar dentro de la movida. Ahí conoce a Florence Leonthine Lowe, una mujer con mucho dinero, amiga de algunos de los actores más famosos de la época, además de ser una de las figuras más influenciadoras de un círculo de personas importantes.

Florence fué uno de sus primeros sujetos fotográficos importantes. Hurrell la ayudó a tomar las fotos requeridas para obtener un permiso de aviación en la época. Gracias a que las fotos eran muy buenas, Florence presentó a Hurrell y Ramón Novarro (el actor más pago de MGM de finales de los veinte), quien luego le presentó a la actriz Norma Shearer (ganadora de un premio Óscar), gracias a quien se volvió el retratista oficial de los actores de MGM y una de las figuras más importantes durante la época del Star System Hollywoodense, y posteriormente en el ámbito más comercial de la fotografía.

Hay que hacerlos lucir elegantemente sensual

El motivo principal del éxito de Hurell en Hollywood era la facilidad que él tenía de entender los mejores rasgos de las personas, para hacerlos lucir perfectos. La reacción principal de sus sujetos era verse y sentirse ‘sexys’.

El caso de la foto de Norma Shearer es el claro ejemplo. La actriz quería un rol en ‘La Divorciada’, pero su marido le había negado siquiera presentarse al casting pues “no era lo suficientemente sexy”. Hurrell sacó unas magnificas fotografías mostrando que la actriz no era la típica chica americana, sino que podía ser una diva sensual. Estas fotos le dieron el rol por el cual fue ganadora del premio de la academia.

En la fotografía de Hurell solo se ve elegancia, poder y sensualidad. Lo que la mayoría deseamos sentir al vernos en la imagen.

El rostro es la prioridad número uno

Algo que se cumple en todos los retratos de Hurell es que el rostro saca a relucir sus mejores característcas. Sean los labios y pómulos de Carole Lombard, los ojos llenos de poder de Greta Garbo, o la sensualidad general de Anna May Wong. En las fotografías de este artista el rostro es lo primero que vemos.

Hurrell manejaba un esquema triangular tradicional en general, pero tampoco tenía miedo de apagar las luces, de buscar las sombras fuertes y profundas. De mezclar direcciones de luz de manera extraña.

Todo se vale, siempre y cuando el rostro siga siendo el protagonista.

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Imágenes | The Estate of George Hurell (web)

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100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos (I)

Ayer se presentó la nueva película de Mario Casas 'El fotógrafo de Mauthuasen'. Aprovechamos para recordar la figura de Francisco Boix que ayudó a condenar la barbarie nazi gracias a las fotografías que sacó del campo de concentración y que sirvieron de prueba durante los juicios de Nuremberg.

Ya hemos podido ver el primer tráiler de la esperada película de Mario Casas, una de las últimas estrellas del cine español. Es verdad que podemos apreciar los abdominales del actor y que parece que hay escenas de cama, pero seguro que aprenderemos historia y se convertirá en una habitual de las típicas listas de las películas que los fotógrafos no nos podemos perder. Y esperamos que se convierta en una imprescindible, a la altura de 'Ciudad de dios' o 'Bajo el fuego'.

La vida de Francisco Boix bien merece ser conocida y respetada. El año pasado se le rindió homenaje en París. Su cuerpo se trasladó al principal cementerio de la ciudad. Un acto al que asistieron pocas autoridades públicas. Al menos sí leyó unas palabras la alcaldesa parisina Anne Hidalgo:

Hoy honramos a un hombre, Francisco Boix, que marcó la historia con su valor, con su lucha contra el franquismo y contra el fascismo. Vivimos en un momento distinto del que conoció Boix. Pero también observamos con preocupación la forma en que la intolerancia y la desigualdad se expanden en toda Europa. Estamos aquí para mantener la promesa siempre inacabada de la libertad, la igualdad y la fraternidad, una promesa por la que Boix luchó toda su vida.

Vamos a conocer la vida y obra de un personaje clave en la historia del siglo XX. Y ya veremos cómo cuentan su historia en la película 'El fotógrafo de Mauthausen'.

El fotógrafo que guardó las fotografías del horror del campo de concentración de Mauthausen

Su vida empezó a ser conocida para el gran público gracias al documental 'Francisco Boix: un fotógrafo en el infierno' de Llorenç Soler. Él descubrió su historia y su archivo en 1974 peor no pudo rodar el documental hasta el año 2000. Quedará en la historia como el único testigo español que participó en el juicio de Nuremberg. Las fotografías que logró esconder fueron una prueba irrefutable de los horrores nazis.

Empezó en la fotografía gracias a su padre, un sastre de Poble Sec aficionado a la fotografía. Con 17 años fue como voluntario al frente para luchar contra los golpistas. Como colaboraba con el periódico 'Juliol', más que empuñar las armas disparaba con su cámara. Al terminar la guerra civil española se vio obligado a exiliarse y cruzar la frontera francesa, donde lejos de encontrar la paz muchos españoles encontraron la muerte.

Una vez en Francia se vieron confinados en campos de trabajo en muy malas condiciones. Pero lo peor estaba por llegar. Las tropas de Hitler avanzaban y entraron en París. Los refugiados de los campos de trabajo pasaron a ser prisioneros de los nazis en agosto de 1940. Todo se complicó para los españoles el 23 de octubre de 1940. En el famoso encuentro en la estación de Hendaya se decidió retirar la nacionalidad a los prisioneros republicanos y fueron llevados al campo de concentración de Mauthausen. Cerca de 8000 españoles perdieron allí toda esperanza.

Cartel de la película

Francisco Boix llegó al campo el 27 de enero de 1941 marcado como rotspanier (español rojo) con el número 5185. Y lo que le salvó fue saber alemán y ser fotógrafo. Estas dos cosas le permitieron tener ciertos privilegios, si se puede decir así, dentro del campo. Entró en el barracón 2, donde estaban los prisioneros que podían dar algún servicio a los nazis. Empezó como fotógrafo en 1943 gracias a otro fotógrafo español que ya trabajaba para ellos, Antonio García. Fotografiaba todo lo que le ordenaban. Y también revelaba todas las fotografías de los oficiales de las SS.

En un infierno donde todo rastro de vida se borraba en los crematorios quedaba la imagen, la fotografía. De todos los negativos que revelaba Francisco Boix se hacían tres copias: una para la Gestapo, la policia secreta nazi; otra para la Oficina Central de Seguridad del Reich y la última para el propio campo. Esas fotografías contarían al mundo la barbarie de los nazis.

La fotografía ayudó a enjuiciar a los nazis

Francisco Boix formaba parte de la organización del partido comunista dentro del campo. Su idea fue ganarse la confianza de los soldados para poder ayudar a los más desfavorecidos. Y fotografiar y revelar todo lo que acontecía allí, en el infierno.Hasta que tuvo una gran idea: sacar los negativos. Contactó con los miembros de su partido y después del desembarco de Normandía dieron el visto bueno.

Fotograma del tráiler

Encontraron contactos dentro y fuera del campo para lograr sacar los negativos después de hacer las copias. Parece ser que los escondían entre la ropa sucia y en los marcos de las puertas y ventanas. Para sacarlos del campo contaban con la ayuda de los poschacher, los hijos adolescentes de los presos republicanos. Ellos podían salir del campo para trabajar en empresas fieles al régimen. Y fueron los elegidos para llevar los negativos a Mme. Pointner, una señora del pueblo de Mauthausen.

Ella guardó todo el trabajo de Francisco Boix en su casa. El 5 de mayo de 1945 el campo fue liberado por los soldados americanos. Todos los que se habían organizado secretamente dentro del infierno tomaron las armas para defenderlo ante posibles represalias. Y nuestro protagonista decidió empuñar la Leica de los alemanes para fotografiar la liberación.

Fueron días convulsos. Pudo ir personalmente a casa de Mme. Pointner para recoger todos los negativos. Vivió momentos de felicidad pero también de horrible venganza como documentar el cruel interrogatorio del comandante del campo de concentración, Ziereis. Y sufrió de nuevo la incoherencia de los hombres sin cabeza con poder.

Stalin decidió que los comunistas que habían sobrevivido a los campos de concentración eran poco menos que traidores por no luchar hasta la muerte. Incluso se sugirió fusilar a toda la dirección comunista de Mauthausen. Vivieron la locura de los extremismos. Así que Boix, junto con sus compañeros, decidió guardar los negativos que demostrarían tarde o temprano la barbarie nazi.

El fin de la historia fotográfica de Francisco Boix

Él estaba convencido de la verdad de la fotografía. Y aunque sus compañeros más fieles le dijeron que se olvidara del tema decidió publicarlas en 'Regards'. Desde esta revista de izquierdas las fotografías conmocionaron al mundo.

Fotograma del tráiler

Gracias a la publicación le llamaron como testigo de cargo en el Juicio de Nuremberg de octubre de 1945. Gracias a su trabajo y a su testimonio condenaron a muchos responsables de la masacre nazi. Todo parecía tener un final feliz para nuestro protagonista. Se convirtió en un héroe y logró empezar a trabajar como fotógrafo de prensa en el París liberado. Y recorrer el mundo con la cámara al hombro... hasta 1948, cuando cubriendo el Tour de Francia sus riñones dicen basta y le llevan al hospital, donde muere con 30 años el 4 de julio de 1951.

Y desde entonces hasta 1974, cuando lo redescubre Llorenç Soler, no se volvió a saber nada de él. Espero que la película de Mario Casas ayude a conocer su historia y a no olvidar a uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Ya hablaremos de la película cuando podamos verla...

En Xataka Foto| John G. Morris, el editor gráfico que nos dio la crónica visual del siglo XX

Richard Avedon es uno de los mejores fotógrafos de la historia. Y tiene algunas de las obras más importantes de la fotografía. Hoy nos vamos a fijar en uno de sus míticos retratos más perturbadores, el célebre 'Retrato de los duques de Windsor' en el que fue capaz de reflejar la realidad de una pareja que intentó engañar al mundo.

No podemos olvidar que estamos ante un retrato de la realeza. Que estamos en el año 1957 y que los duques eran de la nobleza europea. Que vendieron una historia de amor que encandiló al mundo entero. Y Richard Avedon tuvo el poder de desenmascararles con una fotografía certera que no les gustó y aún así, se publicó. En el hotel Waldorf Astoria, en la suite 28A, también es posible la humanidad.

Solo tenía una hora para fotografiarles. Y ellos no quisieron poner las cosas fáciles, no les caía bien. Querían un retrato al uso. Ellos se creían grandes porque sus familiares, por privilegios de sangre, lo eran. Y querían salir como lo hicieron sus antepasados: altivos, inalcanzables, perfectos...

Así que a Richard Avedon se le ocurrió contarles una mentira cruel. Una mentira que sabía que iba a hacer daño a los duques. Les dijo que había atropellado a un perro al llegar al hotel. Eso cambió la expresión de los personajes, obsesionados con los perros, y él consiguió la fotografía más natural de los nobles. Esa fotografía pasó a la historia y desarmó a todos.

Detalle

Las expresiones de ambos no se corresponden con lo que espera un espectador. Espera algo amable, directo y cercano. No espera esa mirada desasosegada del duque y el desconcierto de la duquesa. Puede parecer cruel. Pero las fotografías de Richard Avedon destilan una psicología que explica todos y cada uno de sus trabajos. No solo se parece a Goya por el uso genial del fondo neutro.

La historia que Richard Avedon quiso contar en una fotografía

Antes de llevarse las manos a la cabeza tenemos que conocer el contexto. Richard Avedon era uno de los fotógrafos más prestigiosos de Nueva York. Y por extensión, del mundo. Había alcanzado una posición única en el mundo de la fotografía. Creó un estilo propio a partir de la devoción que sentía por Martin Munkácsi. La fotografía de moda cambió desde que él empezó a trabajar con su Rolleiflex.

Él fue el que dio vida a las modelos. Gracias a él ríen, lloran, bailan y juegan. Simbolizan el estilo de las ropas que llevan. Y fue capaz de llevar al extremo la psicología de los grandes maestros de la pintura. Cada retrato suyo bebe de las fuentes de Goya o Velázquez. Con solo mirarlos somos capaces de entender cómo son las personas que retratan. Y por supuesto cómo era él mismo.

Uno de los momentos más dolorosos de su vida, la muerte de su hermana en una institución mental, le marcaron de tal modo que fue incapaz de ver la belleza como algo estático y digno de devoción. Quizás no pudo olvidar las palabras de su madre a su hermana: 'Eres tan hermosa que no necesitas hablar'. Y se negó rotundamente a seguir el consejo familiar. Así que siempre enseñaría la verdad.

En un libro de Richard Avedon

El duque de Windsor fue el rey Eduardo VIII pero abdicó para poder casarse con Wallis Simpson, una rica mujer de los Estados Unidos. En aquella época fue un escándalo que se casará con el duque después de dos divorcios... Pero más polémico fue la simpatía del matrimonio hacia Hitler, con el que se llegaron a entrevistar como representantes de su país. Era tanta la simpatía del dictador al matrimonio que incluso lamentó su abdicación. Y desde entonces era vox populi la relación de los duques con las ideas del nazismo.

Y eso es lo que quiso sacar Richard Avedon en la famosa fotografía. La venganza de un fotógrafo de familia judía. Incluso se cuenta que la idea le vino al recordar como sus padres preparaban las instantáneas familiares con coches y perros que no eran suyos... En esta foto también están presentes, aunque de otra forma... De todas formas, Avedon fue claro. Uno de sus comentarios recurrentes al hablar sobre dicha imagen es que estos señores amaban más a los perros que al pueblo judío.

Es un ejemplo perfecto de una buena fotografía de retrato. No hay que hacer una fotografía de carnet, sino mostrar la cruda realidad que cada uno quiere esconder. Y esta imagen dura, directa, en primer plano, implacable al mostrar el paso del tiempo en su versión más cruda. No vemos solo a los duques. Podemos adivinar la mirada de Richard Avedon.

En Xataka Foto| Oda personal al gran Richard Avedon

Todos hemos oído decir aquello de que “si tu foto no es lo suficientemente buena es porque no estabas lo suficientemente cerca”. Esa mítica frase del gran Robert Capa es de las más famosas, pero a lo largo de la historia de la fotografía ha habido muchos otros que (además de hacer buenas fotos) han dejado para la posteridad algunas citas de esas que merecen una lectura atenta por parte de todos los que amamos este arte.

Por eso os traemos esta recopilación de 100 de las mejores frases de fotógrafos de todos los tiempos que han realizado los colegas de Digital Camera World y que esperamos os sean muy inspiradoras. Como vais a ver, las frases están organizadas de acuerdo a distintos temas, y por cuestiones prácticas os las ofrecemos divididas en dos partes. Sin más, vamos a ello:

¿Qué es la fotografía?

1. “La fotografía para mí no es mirar, es sentir. Si no puedes sentir lo que estás mirando, entonces nunca lograrás que los demás sientan nada cuando miren tus fotos”, Don McCullin.

Foto de Don McCullin extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

2. “Hacer una fotografía es más bien como escribir un párrafo o una pieza corta, y realizar una serie completa de fotografías es como producir un escrito de muchas maneras. Existe la posibilidad de hacer declaraciones coherentes de una manera interesante, sutil y compleja”, David Goldblatt.

3. “La fotografía es una respuesta que tiene que ver con el reconocimiento momentáneo de las cosas. De repente estás vivo. Un minuto después no hay nadie. Acabo de ver cómo se evapora. Miras en un momento y hay de todo, al momento siguiente se va. La fotografía es muy filosófica”, Joel Meyerowitz.

4. “Fotografía con sinceridad y eficacia es ver debajo de las superficies”, Ansel Adams.

5. “Fotografiar un pastel puede ser arte”, Irving Penn.

6. “No se puede enseñar a la gente a hacer fotografías, deben aprenderlo de la mejor manera posible. Pueden aprender mirando imágenes ... pero en realidad no se relacionan íntimamente con el medio hasta que han logrado algunas malas tomas”, Cecil Beaton.

7. “El alfabeto no es lo importante. Lo importante es lo que estás escribiendo, lo que estás expresando. Lo mismo ocurre con la fotografía”, Andre Kertesz.

Foto de Andre Kertesz extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

8. “Mucha gente parece pensar que el arte o la fotografía tienen que ver con la apariencia de las cosas o su superficie [...] No entienden que no se trata de un estilo, una apariencia o una configuración. Se trata de obsesión emocional y de empatía”, Nan Goldin.

¿Qué determina una buena foto?

9. “Si te hace reír, si te hace llorar, si te arranca el corazón, esa es una buena fotografía”, Eddie Adams.

10. “La fotografía es verdad. Y el cine es verdad veinticuatro veces por segundo”, Jean-Luc Godard.

11. “Si no tienes nada que decir, tus fotografías no van a decir mucho”, Gordon Parks.

12. “Las mejores imágenes se diferencian por matices ... Una relación pequeña, ya sea una armonía o una discrepancia, crea una imagen”, Ernst Haas.

Foto de Ernst Haas extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

13. “El hecho de que la gente use Instagram y tome fotos con teléfonos móviles no significa que las imágenes sean significativas, de la misma manera que un texto que alguien envía a un amigo no es una gran literatura. ¿Es algo que va a permanecer? ¿Nos va a inspirar?”, Steve McCurry.

14. “Para mí, una fotografía es una página de la vida, y esa es la cuestión, debe ser real”, Weegee.

15. “Una buena fotografía es como un buen sabueso, tonto pero elocuente”, Eugène Atget.

16. “Las mejores imágenes son las que conservan su fuerza e impacto a lo largo de los años, independientemente de la cantidad de veces que se vean”, Anne Geddes.

17. “Una fotografía es una colisión entre una persona con una cámara y la realidad. La fotografía suele ser tan interesante como la colisión”, Charles Harbutt.

18. “Una buena imagen nace de un estado de gracia. Esta se manifiesta cuando uno se libera de las convenciones, libre como niño en su primer descubrimiento de la realidad. El juego es organizar el triángulo”, Sergio Larrain.

Sobre los principios fundamentales de la fotografía

19. “La fotografía no se trata de lo fotografiado. Se trata de cómo se ve esa cosa fotografiada”, Garry Winogrand.

20. “La magia de la fotografía es metafísica. Lo que ves en ella no es lo que viste en ese momento. La verdadera habilidad de la fotografía es la mentira visual organizada”, Terence Donovan.

21. “Se necesita mucha imaginación para ser un buen fotógrafo. Se necesita menos imaginación para ser pintor porque se puede inventar cosas, pero en fotografía ... Se necesita mucho mirar antes de aprender a ver lo extraordinario”, David Bailey.

Foto de David Bailey extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

22. “Por supuesto, siempre habrá aquellos que solo miran la técnica, que preguntan ‘cómo’, mientras que otros, de naturaleza más curiosa, preguntan ‘por qué’. Personalmente siempre he preferido la inspiración a la información”, Man Ray.

23. “La fotografía es un medio en el que si no disparas a menudo no lo haces del todo, porque las cosas no ocurren dos veces. Una roca probablemente siempre será más o menos exactamente como la viste ayer. Pero otras cosas cambian, no siempre están ahí el día después o la semana posterior”, Paul Strand.

24. “En última instancia, la simplicidad es el objetivo en todas las obras de arte, y lograr la simplicidad es una de las cosas más difíciles de hacer; sin embargo, es la más esencial”, Pete Turner.

25. “Debes dejar que la persona que mira la fotografía haga algo para terminarla. Deberías ofrecerles una semilla que crecerá y les abrirá la mente”, Robert Doisneau.

26. “Toda la técnica en el mundo no compensa la incapacidad de darse cuenta de algo”, Elliott Erwitt.

Foto de Elliott Erwitt extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Sobre cómo enfrentarse a una sesión fotográfica

27. “No dispares a lo que parece, hazlo a lo que transmite”, David Alan Harvey.

28. “Nunca le dediques demasiado tiempo a una cosa, porque tu alma está en esa imagen”, Ruth Bernhard.

29. “La clave es fotografiar tus obsesiones; ya sean manos de gente mayor o rascacielos. Piensa en un lienzo en blanco, porque eso es lo que tienes, y luego piensa en lo que quieres ver, nadie más”, David Lachapelle.

30. “Mis palabras favoritas son posibilidades, oportunidades y curiosidad. Si tiene curiosidad, crea oportunidades, y si abre las puertas crea posibilidades”, Mario Testino.

31. “La satisfacción viene de trabajar junto a 500 fotógrafos y salir con algo diferente”, David Burnett.

Foto de Robert Capa extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

32. “Creo que una fotografía, de lo que sea (un paisaje, una persona…) requiere una participación personal. Eso significa conocer a tu sujeto, no solo criticar lo que está frente a ti”, Frans Lanting.

33. “No puedo decirte cuántas fotos me he perdido, ignorado, pisoteado o por cualquier otra razón, solo porque estaba empeñado en obtener la toma que yo creía que quería”, Joe McNally.

34. “Trata de entender no solo que vivimos en un determinado edificio o en un lugar concreto, sino que debemos tomar conciencia de que vivimos en un planeta que está avanzando a gran velocidad a través del universo. Para mí es más un sinónimo. Yo leo una foto no por lo que realmente está sucediendo allí, sino más por lo que está sucediendo en nuestro mundo en general”, Andreas Gursky.

35. “La trampa de la fotografía es que puedes terminar mirando todo a través de una cámara, en lugar de verlo por ti mismo. El visor te aísla. Cuando miras a través de uno estás eliminando todo lo demás de tu visión. La cámara puede abrir muchas puertas, pero a veces es necesario dejarla de lado y vivir”, Maggie Steber.

36. “Si hubiera sabido cómo sería la foto no lo haría. Es casi como si ya estuviera hecha ... El desafío es más sobre tratar de hacer lo que no se puede pensar”, Cindy Sherman.

Foto de Cartier Bresson extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Sobre la importancia del instinto

37. “Si quieres hacer buenas fotografías la cámara tiene que ser una segunda piel para ti. Dedicar demasiada atención a las decisiones técnicas puede interferir en tus procesos creativos”, Robert Farber.

38. “Sería un error suponer que cualquiera de las mejores fotografías se obtienen mediante un proceso inteligible; es como todo arte, esencialmente el resultado de un proceso intuitivo, recurriendo a todo lo que el artista es, más que a cualquier cosa que él piense y mucho menos a lo que sepa”, Helen Levitt.

39. “Me parece que las mujeres tienen más posibilidades de éxito en la fotografía que los hombres ... Las mujeres son más rápidas y más adaptable. Y creo que tienen una intuición que les ayuda a comprender las personalidades más rápidamente que los hombres”, Lee Miller.

Foto de Lee Miller extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

40. “Es muy difícil decir hacia dónde vas hasta que llegas. Ese tipo de cosas se basa mucho en el instinto. Como fotógrafo, una de las lecciones más importantes que aprendí es que debes aprender a escuchar y confiar en tu propio instinto. Me ha ayudado a guiarme, al menos por ahora”, James Nachtwey.

41. “La técnica sin duda ayuda a hacer la fotografía mágica, pero prefiero trabajar con la atmósfera. Creo que la obsesión por la técnica es algo masculino. Juguetes de chicos. Les encanta jugar ... Pero una vez que hayas perfeccionado algo, debes comenzar a buscar un juguete nuevo. Prefiero buscar un nuevo modelo o ubicación”, Ellen von Unwerth.

42. “La fotografía concentra el ojo en lo superficial. Por esa razón oscurece la vida oculta que brilla a través de los contornos de las cosas, como un juego de luces y sombras. Uno no puede atrapar eso incluso con la lente más nítida. Uno tiene que andar a tientas para sentirlo”, Franz Kafka.

43. “Consultar las reglas de composición antes de hacer una fotografía es como consultar la Ley de la gravedad antes de salir a caminar”, Edward Weston.

Foto de Edward Weston extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

44. “*Las mejores fotos ocurren cuando te mueves al margen de tu propia comprensión. Ahí es donde es probable que surjan la duda y los riesgos. Cuando uno confía en lo que sucede a un nivel no intelectual, no consciente, puede producirse un trabajo que luego resuene, a menudo de una manera en la que no puede articular una respuesta *”, Jerry Uelsmann.

45. “*El secreto de la fotografía es que la cámara adquiere el carácter y la personalidad del que la lleva”**. Walker Evans.

46. ”La cámara es un instrumento notable. Empápate de tu sujeto y la cámara te llevará de la mano”, Margaret Bourke-White.

Foto de Margaret Bourke-White extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

47. “*Nace un testigo y se unen los rompecabezas en el momento fotográfico, que es muy simple y completo. El dedo índice presiona la liberación de la tonta máquina y detiene el tiempo y retiene lo que las mandíbulas pueden abarcar y lo que la luz manchará”**, Lee Friedlander.

Sobre la técnica fotográfica

48. “La artificiosidad autoconsciente es fatal, pero ciertamente no afectaría estudiar la composición en general. Tener una comprensión básica de la composición ayudaría a construir una imagen mejor organizada”, Berenice Abbott.

Foto de Berenice Abbott extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

49. “Directamente me acerco a la gente, y lo hago porque es la única forma en que se puede conseguir la foto. Debes acercarte. Incluso ahora, no me resulta fácil. No pido permiso ni me anuncio. Simulo estar enfocando a otro lado. Si tomas una foto de alguien es muy difícil no mirarla justo después, pero es la única cosa que da el juego de distancia. No trato de esconder lo que estoy haciendo, sería una locura”, Martin Parr.

50. “El Blanco y negro son los colores de la fotografía. Para mí simbolizan las alternativas de esperanza y desesperación a las que la humanidad está sometida para siempre”, Robert Frank.

Foto de Cecil Beaton extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

¿Qué os parecen? Esperamos que os haya resultado inspiradoras y os emplazamos a leer la segunda parte de las frases célebres dichas por fotógrafos.

En Xataka Foto | 100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos (y II)

Foto de portada | Autorretrato de Lee Friedlander extraído del album Photography-Masters de Retrogasm

Terminamos el especial sobre frases inspiradoras de grandes fotógrafos que empezamos ayer con las primeras cincuenta sentencias. En esta ocasión vamos a ir con las restantes entre las que vais a encontrar citas igualmente interesantes de fotógrafos de todos los tiempos.

Sobre técnica fotográfica (continuación)

51. “Cuanto más específico seas, más general será”, Diane Arbus.

52. “Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas, es que no estás lo suficientemente cerca”, Robert Capa.

Foto de Robert Capa extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

53. “Al hacer una toma estás siendo selectivo, luego editas las imágenes que deseas publicar y vuelves a ser selectivo. Desarrollas un punto de vista que quieres. Intentas entrar en una situación con la mente abierta, pero luego formas una opinión y la expresas en tus fotografías”, Mary Ellen Mark.

54. “Limita tus herramientas, concéntrate en una cosa y haz que funcione... Te vuelves muy inventivo con las restricciones que te impones”. Anton Corbijn.

55. “Muchos fotógrafos piensan que si compran una cámara mejor podrán tomar mejores fotografías. Una cámara mejor no hará nada por ti si no tienes nada en la cabeza o en el corazón”, Arnold Newman.

56. “Eres responsable de cada parte de tu imagen, incluso las que no te interesan”, Jay Maisel.

57. “La pieza más importante del equipo después de la cámara es un buen par de zapatos. Un escritor puede trabajar desde la habitación de un hotel, pero un fotógrafo tiene que estar allí, por lo que tiene que caminar mucho”, David Hurn.

58. “Durante el trabajo, debes estar seguro de que no has dejado ningún agujero, de que has capturado todo, porque después será demasiado tarde”, Henry Cartier-Bresson.

59. “Por mucho que juegues con los colores o los papeles de impresión nada transformará una fotografía común en otra cosa que no sea una fotografía común”, Bill Brandt.

Foto de Bill Brandt extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

60. “Estoy muy preocupada por perfeccionar mi técnica algún día. Debo decir que es desafortunado que muchas de mis imágenes dependan de algún error técnico.”, Sally Mann.

61. “Aquellos que quieren ser fotógrafos serios realmente van a tener que editar su trabajo. Tendrás que entender lo que estás haciendo. Y vas a tener que hacer algo más que disparar, disparar y disparar. Pararte a mirar tu trabajo es lo más importante que puedes hacer”, Annie Leibovitz.

62. “Si quieres ser mejor fotógrafo, ponte delante de cosas más interesantes”, Jim Richardson.

63. “Nunca dejes de mirar, no importa dónde estés, en todas partes hay buenas fotografías”, Art Wolfe.

64. “Te vuelves técnicamente hábil, quieras o no, cuantas más fotos tomas”, William Eggleston.

65. “Mira muchas exhibiciones y libros, y no te obsesiones con las cámaras y las cosas técnicas. La fotografía es sobre imágenes”, Fay Godwin.

66. “Cuantas más fotos veas, mejor serás como fotógrafo”, Robert Mapplethorpe.

67. “Uno de los errores más grandes que cometen los fotógrafos es no tener un trabajo que defina sus intereses y fortalezas. Nadie te va a contratar por lo que dices que te gusta hacer. Tienes que demostrarles que eres capaz de hacerlo primero”, Ami Vitale.

68. “Sé tú mismo. Prefiero ver algo, aunque sea torpe, que no se parezca al trabajo de otra persona”, William Klein.

Foto de William Klein extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

69. “El azar siempre está ahí. Todos lo usamos. La diferencia es que un mal fotógrafo se encuentra con ello una vez cada cien, y un buen fotógrafo encuentra oportunidades todo el tiempo”, Brassaï.

70. “Un fotógrafo es un acróbata pisando el hilo del azar, intentando capturar estrellas fugaces”, Guy Le Querrec.

71. “Hay un momento breve en el que todo lo que hay en la mente y el alma del hombre se refleja en el espíritu a través de sus ojos, sus manos y su actitud. Ese es el momento de disparar”, Yousuf Karsh.

72. “Solo obtienes un amanecer y un atardecer al día, y solo pasas un determinado número de días en la Tierra. Un buen fotógrafo hace sus cálculos y no desperdicia el tiempo”, Galen Rowell.

Sobre cómo retratar a las personas

73. “Una cosa es hacerse una idea de cómo es una persona; otra cosa es hacer un retrato de quién es”, Paul Caponigro.

74. “Un primer plano fotográfico es quizás la forma más pura de retrato, creando un enfrentamiento entre el espectador y el sujeto que la interacción diaria hace imposible, o al menos descortés”, Martin Schoeller.

75. “Para mí, la cara (los ojos, la expresión de la boca) es lo que refleja el carácter. Es la única parte del cuerpo que nos permite ver a la persona por dentro”, Philippe Halsman.

76. “Todos tenemos una especie de máscara de expresión. Dices adiós, sonríes, tienes miedo. Intento quitar todas estas máscaras y poco a poco restar hasta que quede algo puro. Una especie de abandono, una especie de ausencia”, Paolo Roversi.

77. “Nunca pienso en un disparo antes de hacerlo. Porque no hay una fórmula para las personas. Lo que trato de hacer es quitar todo en lugar de ir con nociones preconcebidas. Si hago eso, podría extrañar una gema o una joya que la persona me ofrece”, Platon.

Foto de Eve Arnold extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

78. “Las personas son conscientes del poder de una cámara, y esto instintivamente hace que la mayoría se sientan incómodas y rígidas. Pero me enseñaron a permanecer en un lugar lo suficiente, sin fotografiar, para que la gente se sintiera cómoda conmigo y con la presencia de la cámara”, Lynsey Addario.

79. “Un buen retrato es la relación que se establece entre dos personas, tiene que haber alguien delante de la cámara y alguien detrás”, Jeanloup Sieff.

80. “No importa si estás fotografiando a un portero en un mercado en Marrakech o al rey de Marruecos. Tienes que tener el mismo enfoque compasivo para todos. En general, tienes que ser amable con todos”, Albert Watson.

81. “Con la mayoría de las personas a las que he tomado fotografías he tenido una conversación. ‘¿Cuáles son tus metas y aspiraciones?’ ‘¿De qué se trata?’ No se trata solo de que yo capture la imagen, sino que quiero saber de qué se trata”, Jamel Shabazz.

82. “Un retrato no está hecho en la cámara sino a cada lado de ella”, Edward Steichen.

83. “El fotógrafo, incluso en la moda y el retrato, tiene que tener un punto de vista. Es importante saber lo que representa ¿no? La mayoría de la gente solo toma fotos que no representan nada. Siguen las tendencias y no saben porqué”, Peter Lindbergh.

84. “No necesito saber nada sobre las personas que fotografío, pero es importante que reconozca algo de mí mismo en ellas”, Rineke Dijkstra.

Sobre cómo encontrar tu pasión

85. “Si pasa un día sin que haga algo relacionado con la fotografía, es como si hubiera descuidado algo esencial para mi existencia”, Richard Avedon.

86. “¿Cuál de mis fotografías es mi favorita? La que voy a hacer mañana”, Imogen Cunningham.

Foto de Imogen Cunningham extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

87. “No hay una línea divisoria entre aventura y fotografía”, Chris Noble.

88. “Hay un momento en que la gente dice que tu trabajo es revolucionario, pero tienes que seguir siendo revolucionario. No puedo seguir retratando a estrellas del pop toda mi vida. Tienes que seguir cambiando, seguir presionándote, buscando lo nuevo, lo inusual”, Rankin.

89. “Uno realmente debería usar la cámara como si mañana fuera a ser ciego”, Dorothy Lange.

90. “La fotografía es algo que aprendes a amar muy rápido. Sé que muchas, muchas cosas me van a pedir que me tomen fotos y las tomaré todas”, Jacques-Henri Lartigue.

91. “Creo que si alguna vez me siento satisfecho, tendré que parar. Es la frustración lo que te impulsa”, Eve Arnold.

Las mejores citas cortas

92. “Fotografía solo lo que amas”, Tim Walker.

93. “No escribí las reglas. ¿Por qué debería seguirlas?”, W. Eugene Smith.

94. “Si pudiera contar la historia en palabras, no tendría que cargar con una cámara”, Lewis Hine.

95. “Los primeros diez mil disparos son los peores”, Helmut Newton.

Foto de Helmut Newton extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

96. “Fotografía: Tantos intentos, tan pocas obras maestras”, James Elliott.

97. “Por cada negativo que acaba en desilusión, hay uno que es una alegría”, Edward S Curtis.

98. “Fotografía es 1% de inspiración y 99% de muebles en movimiento”, Gregory Heisler.

99. “Es más importante hacer clic con la gente que hacer clic en el obturador”, Alfred Eisenstaedt.

100. “La gran fotografía es sobre la profundidad de los sentimientos, no sobre la profundidad de campo”, Peter Adams.

Foto de Andreas Feininger extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Con esto hemos terminado con las frases célebres de fotógrafos. ¿Qué os han parecido? ¿Echáis en falta alguna que queráis añadir?

En Xataka Foto | 100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos (I)

Vía | Digital Camera World

Foto de portada | Autorretrato de Vivian Maier extraída del álbum Photography-Masters de Retrogasm

Esta semana se ha inaugurado la exposición 'Humberto Rivas' en la sala Fundación Mapfre Bárbara de Braganza. Es una retrospectiva del fotógrafo hispanoargentino que recibió el Premio Nacional de Fotografía en 1997. En ella nos encontraremos un trabajo dedicado al retrato y al paisaje donde la luz es solo una ilusión.

Humberto Rivas tiene un estilo personal. Saca luz de las sombras. En sus exquisitos positivos se ven más matices del negro que del blanco. Me imagino que será una pesadilla publicar sus fotografías plagadas de sombras (las reproducciones de prensa son excesivamente claras). Por eso es una suerte poder contemplar sus trabajos en la Fundación Mapfre. Y como es norma de la casa, copias vintage para entender exactamente cómo veía el autor su propio trabajo. Tiene un valor incalculable para entender la forma de mirar de Humberto Rivas.

No es un fotógrafo espectacular. No trabaja con grandes formatos aunque disparaba con cámaras de placas. Pero si somos capaces de adentrarnos en su particular mundo nos daremos cuenta de que estamos ante un fotógrafo único y personal. No marcó una época dentro de la fotografía española pero no podemos dejar de mirar sus disparos certeros en la penumbra.

Humberto Rivas. De la pintura a la fotografía

De nuevo nos encontramos con un autor que fue pintor antes que fotógrafo. Allá, en Argentina empezó con la pintura. Incluso ganó premios y uno de sus dibujos está en el MOMA de Nueva York. Pero pasará a la historia por la fotografía. Como afición formaba parte de un grupo fotográfico que seguía las ideas de Otto Steinert sobre la subjetividad de la imagen.

La fotografía no representa la realidad, sino la forma de ver la realidad de cada uno. Al fin y al cabo, la forma de pensar el mundo. Y Humberto Rivas no abandonó jamás esta forma de trabajar. Es increíble como, a lo largo de la retrospectiva no vemos un cambio en la forma de mirar. Empezó con unos principios que mantuvo hasta el final.

En 1972 realizó un viaje con su mujer que daría lugar a su serie 'Norte'. Y ahí es donde aparecen la esencia de sus retratos, sus paisajes rotos y esa luz que nunca abandonó. Y en 1976 todo cambió para seguir igual. Llegó a Barcelona con su familia y contactó con los fotógrafos que bebieron de la fuente del grupo Afal y estaban dispuestos a decir cosas distintas, lejos de la fotografía documental con la que los maestros habían abierto el camino en España.

La fotografía de Humberto Rivas en España

Todos giraban alrededor de la galería Spectrum y su fundador, Albert Guspi. Allí estaban Toni Catany, Manel Esclusa, Joan Fontcuberta, Pere Forminguera.... Y en Barcelona, inspirado por el aire renovador de aquellos años, llevó su forma de mirar al nivel que podemos contemplar en la exposición.

Empezó con el blanco y negro por la calidad tonal que podía conseguir en el laboratorio. En los años 80 empezó a experimentar con el color gracias al proceso Cibachrome, que permitía pasar a papel las diapositivas en una superficie metálica única y durarera. El uso del color fue quizás el mayor cambio en su estilo. Pero un color muy parecido al blanco y negro, donde ningún tono destaca y donde todavía domina la luz perdida del amanecer o las últimas horas de la tarde.

La melancolía, el reflejo del paso del tiempo y la luz son sus señas de identidad. Y sus retratos no son distintos. Solo cambia la luz que los ilumina. Y no son rostros perfectos. Son verdaderos, con las marcas del paso del tiempo y de la experiencia. En la mayoría de los casos con un fondo neutro como podemos ver en Avedon si tuviera la mirada de Diane Arbus.

La exposición en la Fundación Mapfre

Humberto Rivas murió en 2009. Desde entonces no hemos visto una retrospectiva de su trabajo como la que podemos disfrutar en Madrid hasta el 5 de enero de 2019. En las dos plantas de la sala (todavía recuerdo la antigua sede de la zona de Azca) tendremos la ocasión de descubrir una mirada única, donde descubrir las influencias de los grandes maestros norteamericanos del retrato y esa luz que solo podíamos ver en las pinturas de Magritte. Esas luces tenues envueltas por la noche oscura que tanto intrigan.

Son 180 fotografías que van de los primeros trabajos hasta 2005. También podemos contemplar numeroso material de archivo. Todo viene del Archivo Humberto Rivas y de los museos y colecciones que albergan su obra: MNAC, IVAM o MNCARS. Es una ocasión única para ver todo su trabajo organizado de forma cronológica. Es uno de los mejores ejemplos de la fuerza que tiene creer en una forma de trabajar y profundizar en ella hasta el final de tus días.

‘Humberto Rivas’

Del 21 de septiembre al 5 de enero de 2019al Sala Fundación MAPFRE Recoletos Madrid

Paseo de Recoletos, 23 28004 Madrid

Entrada general: 3€ Entrada reducida: 2€ Entrada gratuita todos los lunes no festivos de 14 a 20 horas.

Fundación Mapfre

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Brassaï, el primer fotógrafo que fotografió la noche

El glamour es una de las ramas de la fotografía de retrato más comerciales que existen. En este tipo de fotografía se busca mezclar el estilo, destacando el mejor ángulo del sujeto, sus habilidades frente a la cámara y hacer que todos deseen a esa persona. Es, a su vez, una gran escuela de retrato clásico que hay que observar.

Por eso hoy os traemos tres consejos basados en el trabajo de George Hurrell, uno de los retratistas de glamour más representativos de la historia de la fotografía.

No pasar un chance

La historia de Hurrell comienza cuando estudiaba arte. Durante la universidad, él se enfocaba en la pintura. La fotografía era un elemento de lado que servía para capturar referencias de elementos y escenas que pudieran servir para su arte.

Es durante la escuela que él conoce un maestro de la escuela que lo invita a Laguna Beach a vivir una temporada y estar dentro de la movida. Ahí conoce a Florence Leonthine Lowe, una mujer con mucho dinero, amiga de algunos de los actores más famosos de la época, además de ser una de las figuras más influenciadoras de un círculo de personas importantes.

Florence fué uno de sus primeros sujetos fotográficos importantes. Hurrell la ayudó a tomar las fotos requeridas para obtener un permiso de aviación en la época. Gracias a que las fotos eran muy buenas, Florence presentó a Hurrell y Ramón Novarro (el actor más pago de MGM de finales de los veinte), quien luego le presentó a la actriz Norma Shearer (ganadora de un premio Óscar), gracias a quien se volvió el retratista oficial de los actores de MGM y una de las figuras más importantes durante la época del Star System Hollywoodense, y posteriormente en el ámbito más comercial de la fotografía.

Hay que hacerlos lucir elegantemente sensual

El motivo principal del éxito de Hurell en Hollywood era la facilidad que él tenía de entender los mejores rasgos de las personas, para hacerlos lucir perfectos. La reacción principal de sus sujetos era verse y sentirse ‘sexys’.

El caso de la foto de Norma Shearer es el claro ejemplo. La actriz quería un rol en ‘La Divorciada’, pero su marido le había negado siquiera presentarse al casting pues “no era lo suficientemente sexy”. Hurrell sacó unas magnificas fotografías mostrando que la actriz no era la típica chica americana, sino que podía ser una diva sensual. Estas fotos le dieron el rol por el cual fue ganadora del premio de la academia.

En la fotografía de Hurell solo se ve elegancia, poder y sensualidad. Lo que la mayoría deseamos sentir al vernos en la imagen.

El rostro es la prioridad número uno

Algo que se cumple en todos los retratos de Hurell es que el rostro saca a relucir sus mejores característcas. Sean los labios y pómulos de Carole Lombard, los ojos llenos de poder de Greta Garbo, o la sensualidad general de Anna May Wong. En las fotografías de este artista el rostro es lo primero que vemos.

Hurrell manejaba un esquema triangular tradicional en general, pero tampoco tenía miedo de apagar las luces, de buscar las sombras fuertes y profundas. De mezclar direcciones de luz de manera extraña.

Todo se vale, siempre y cuando el rostro siga siendo el protagonista.

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Imágenes | The Estate of George Hurell (web)

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100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos (I)

Conocida como “la fotógrafa del pueblo” por su magnífico retrato de la Gran Depresión, Dorothea Lange es autora de imágenes que son iconos de la historia de la fotografía. Por eso, la exposición ‘Politics of Seeing’, que se inaugura mañana en el Jeu de Paume de la capital francesa, es una buena ocasión para revisitar su obra y analizar la influencia de una autora considerada como una de las mejores fotoperoriodistas norteamericanas de la historia.

La exposición se centra en “el extraordinario poder emocional de la obra de Dorothea Lange y en el contexto de su práctica documental” mostrando fotografías seleccionadas entre cinco series específicas que abarcan desde 1933 hasta 1957 (casi toda su trayectoria). Más de un centenar de imágenes que se complementan con diversos documentos y varias proyecciones que amplían el alcance de la obra de Dorothea Lange.

'White Angel Breadline, San Francisco (1933)' © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California, City of Oakland. Gift of Paul S. Taylor

Una obra, como apuntábamos, que a menudo resulta familiar para el público gracias a fotos como ‘White Angel Breadline’ (arriba) y ‘Migrant Mother’, donde retrata la situación que asoló a los EE.UU en los años 30 del siglo pasado. Tal y como os contamos, Dorothea tenía un estudio de fotografía en San Francisco pero, ante la situación que vivía su país, decidió salir a la calle para captar lo que estaba ocurriendo y las consecuencias de la Gran Depresión.

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Dorothea Lange, la fotógrafa del pueblo

Aquel trabajo fotográfico fue un giro tanto en su forma de hacer fotos como en su propia vida, además del comienzo de una carrera siempre marcada por una acusada conciencia social. Esta se aprecia perfectamente no sólo en las fotos de la depresión sino también en sus series sobre los astilleros de Richmond o el de los campos concentración para japoneses residentes en los EE.UU.

'Migrant Mother, Nipomo (1936)'. The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California, City of Oakland. Gift of Paul S. Taylor.

Todo esto se puede disfrutar en la exposición parisina compuesta por fotografias que pertenecen al Museo de California en Oakland, donde se conserva el considerable archivo de Lange que fue donado por su esposo tras su muerte en 1966. Sin duda una visita que merece la pena si por casualidad vas a estar (o pasar) por París en los próximos meses.

'Damaged Child, Shacktown, Elm Grove, Oklahoma (1936)' © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California

'Drought-abandoned house on the edge of the Great Plains near Hollis, Oklahoma (1938)' © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California

'Migrant Mother, Nipomo (1936)'. The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California, City of Oakland. Gift of Paul S. Taylor.

‘Dorothea Lange. Politics of Seeing’

Del 16 de octubre al 27 de enero de 2019

Jeu de Paume

Precio: 10 euros

1, place de la Concorde

75008 – París – Francia

Página web

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Lecciones de grandes maestros fotográficos para aplicar en el retrato

Foto de portada | 'Migratory Cotton Picker, Eloy, Arizona (1940)' © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California

'Los americanos' de Robert Frank es uno de los libros más importantes de la historia de la fotografía. Todos deberíamos tenerlo en casa como un monumento a la fotografía. No es fácil acercarse a él. Al principio cuesta entenderlo pero gracias al libro 'The Americans List' de Jason Eskenazi descubriremos qué piensan otros fotógrafos de esta obra inmortal.

El autor de este libro sobre el trabajo de Robert Frank es también fotógrafo. Pero todo empezó cuando trabajaba de vigilante de seguridad del Metropolitan Museum of Art en 2009. Aquel año se cumplían cincuenta años de la publicación del mítico libro. Y organizaron una exposición llamada 'Looking In: Robert Frank's The Americans'. Allí empezó su investigación.

Se organizó de tal forma que siempre estaba en la sala y podía asistir a todas las conferencias para empaparse de la historia que manaba de cada una de las 83 imágenes del libro. Con el tiempo se dio cuenta de que entre los visitantes había, evidentemente, muchos otros fotógrafos. Algunos consagrados, otros que empezaban y algunos que tenían hasta la suerte de conocer a Robert Frank. ¿Y qué hizo Jason Eskenazi?

La gestación de un libro

Nuestro autor empezó a preguntar a estos fotógrafos cuál era su fotografía favorita de aquellos 83 disparos inmortales. Poco a poco fue haciéndose con una serie de declaraciones que permiten desentrañar los misterios de Frank pero también la mirada de aquellos que opinaron, como Mary Ellen Mark, Joel Meyerowitz, Jeffrey Ladd, Martin Parr, David Alan Harvey, Josef Koudelka, Vanessa Winship, Alec Soth...

Cuando terminó la exposición, que dejó para el recuerdo uno de los mejores libros que puedo recordar sobre el fotógrafo suizo, siguió recopilando la opinión de más y más fotógrafos para tratar de aprender a través de la mirada de Robert Frank con los comentarios de sus compañeros.

Una de las fotografías más famosas del libro

Fruto de aquel esfuerzo, de aquellas inmensas ganas de aprender, apareció en 2012 el libro 'The Americans List'. Como dice él mismo en una entrevista en Time:

'Los americanos' es probablemente el libro que conecta a más fotógrafos que cualquier otro, así que mientras vigilaba la exposición, vi entrar a muchos colegas fotógrafos. Comencé a preguntarles cuál era su imagen favorita. Aunque muchos dijeron que era muy difícil elegir y que muchas imágenes eran importantes para ellos, insistí. Descubrí que muchas de las respuestas revelaban mucho más sobre los propios fotógrafos.

De entre todos los fotógrafos que participan en el libro destaca el propio Robert Frank, al que llegó a conocer en la propia exposición. Lo más curioso es que aquellos que lo lean descubrirán cuál es su fotografía favorita y aclararán el misterio que envuelve a 'San Francisco. Plate 72'. No queda más remedio que encontrar en el libro por qué nos mira esa pareja tumbada en la hierba.

Las fotografías favoritas de 'Los americanos' de Robert Frank

El libro servirá para descubrir, entre otras cosas, cuáles son las fotografías favoritas de un libro que no se puede romper pues perdemos una valiosa información. La sensación de estar viendo una triste película donde poca gente sonríe. Servirá también para darnos cuenta de su fuerza y de lo interiorizado que tenemos cada disparo. Por poner un ejemplo, la elección de Eugene Richards:

Lo que me atrajo de la obra de Robert Frank fue la extraña, a veces loca idea de que, en muchas de sus imágenes de Estados Unidos, estaba viviendo no solo su propia vida sino la mía. La fotografía 'Parade-Hoboken, New Jersey' es la que más se acerca. Permítanme describirla, aunque no debería tener que hacerlo, ya que es la primera imagen del libro. Hay dos mujeres quietas en ventanas separadas de lo que parece ser un edificio de apartamentos. Una de las mujeres, con su rostro oscurecido por la sombra de la ventana, lleva un vestido poco elegante, incluso para esa época, mientras que la otra mujer, con su cara totalmente oculta por una bandera americana, lleva lo que parece ser un abrigo de lana. Está delgada, parece que se ha enfriado. Ambas -para usar una frase trillada- parecen agobiadas por el tiempo. A lo largo de mi vida, como niño que crecí en el centro de la ciudad, y como fotógrafo, a veces trabajador social, a veces manifestante, he visto a personas como las de esta foto, una y otra vez, miles de veces, mirando con recelo, a menudo directamente hacia mí, pareciendo leves e inofensivas al principio, sin moverse. Pero cuando te vas y te giras, siguen ahí, juzgándote y asustadas.

En esta página he encontrado una estadística que descubre cuáles son las fotografías favoritas del libro para los autores que salen en él. Y la verdad que consigue una de las sensaciones más placenteras que puede hacer alguien que disfrute con la cámara al hombro. Volver a recordar el libro, cada uno de los disparos y preguntarse una y otra vez cómo se puede hacer algo tan genial.

Las elegidas

En primer lugar está la última del libro, la que cierra todo lo que hemos visto. Luego viene la famosa del tranvía que todos intentamos hacer cuando vemos uno por la ciudad. En tercer lugar la de la triste chica del ascensor. También vemos la de la bandera que recuerda Eugene Richards. O la de la carretera infinita...

El libro lo podemos encontrar en la propia página del autor o en Amazon a un precio exorbitante. Pero siempre es un buen momento para comprarse un libro. Y más si tiene que ver con una joya como 'Los americanos'. Pero si no tienes una copia del original, desde luego es un momento perfecto para comprarlo. Siempre lo es. O ver la serie completa en internet aunque la sensación nunca sea la misma.

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Robert Frank, los homenajes actuales a una leyenda viva

¿Quiénes son los fotógrafos más influyentes de la historia? ¿Quiénes tomaron esas imágenes clave que forman parte del imaginario colectivo de nuestra sociedad? ¿Quiénes innovaron como nadie había hecho antes en el campo fotográfico, influyeron en las generaciones posteriores o dejaron una enorme huella en forma de un inmenso portfolio fotográfico?

La respuesta no es sencilla, y desde luego ni es objetiva ni inmutable, pero con los 50 nombres que vamos a apuntar (ordenados alfabéticamente y en dos entregas) hemos tratado de realizar una lista lo más completa posible. Eso sí, como contaba el compañero Fernando hablando de nombres esenciales de la fotografía, el objetivo último de este artículo es que nos suenen sus nombres, sobre todo a aquellos que comiencen en este arte.

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Once puntos de inflexión que marcaron la historia de la fotografía

Por supuesto echaréis en falta algunos que, seguramente, también merecerían estar en la lista, así que os animamos a compartirlos a través de los comentarios. Pero, de todos modos, aquí os dejamos con los 50 mejores fotógrafos del mundo… probablemente:

Ansel Adams (1902 – 1984)

Nuestro primer fotógrafo es uno de los grandes maestros, seguramente uno de los mejores fotógrafos de paisaje de la historia. El norteamericano Ansel Adams creó del famoso Sistema de Zonas, para calcular con precisión la exposición en fotografía, y es conocido mundialmente por sus imágenes de paisajes en blanco y negro del parque nacional de Yosemite.

Foto de Ansel Adams compartida en Foto de Wikipedia con licencia de dominio público

Diane Arbus (1923 – 1971)

Nuestra primera fotógrafa ha quedado en la historia como una artista que desarrolló un estilo documental muy propio, directo e incluso visceral. Por eso, si Diane Arbus es recordada por algo es por sus fotos de personas al margen de la sociedad como artistas de circo, prostitutas o personas transgénero... que miran directamente a cámara, constituyendo unos retratos íntimos, intensos y, muchas veces, inquietantes.

Foto de Diane Arbus capturada del vídeo Grandes miradas de la fotografía: Diane Arbus

Eve Arnold (1912 – 2012)

Seguimos con otra mujer que se hizo famosa por sus retratos de iconos culturales, con especial protagonismo de su amiga Marilyn Monroe. Aunque Eve Arnold, también se destacó por su trabajo de fotoperiodista que le llevó a realizar reportajes sociales que le dieron el honor de ser la primera mujer miembro de pleno derecho de la Agencia Magnum en el año 1957.

Foto de Eve Arnold en la galería de Retrogasm

Richard Avedon (1923 – 2004)

Otro maestro del retrato cuyas fotos de personajes como Andy Warhol, Truman Capote, George Bush, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe destacaron por desnudar su psicología como pocos han hecho en la historia de la fotografía a pesar de su aparente sencillez (solía utilizar un simple fondo blanco). Además, Richard Avedon fue también un revolucionario en el mundo de la moda al sacar a las modelos a la calle y fotografiarlos con un estilo novedoso, elegante y clásico pero a la vez aportando una nueva emoción a este tipo de imágenes comerciales.

Foto de Richard Avedon capturada del vídeo Grandes miradas de la fotografía: Richard Avedon

Cecil Beaton (1904 – 1980)

Otro artista que dejó una huella profunda tanto en el mundo de la moda como en el del retrato es este británico que, fascinado por el glamour, la elegancia y el estilo, acaparó las portadas de revistas como Vogue y Vanity Fair desde los años 20. Pero Cecil Beaton no sólo es conocido por sus retratos de estrellas como Marlene Dietrich, Audrey Herpburn y Marilyn Monroe, sino que también practicó el documentalismo, como fotógrafo en la Segunda Guerra Mundial, y hasta la escenografía y el diseño de vestuario, que le llevó a ganar un Óscar de Hollywood por su trabajo en My Fair Lady.

Foto de Cecil Beaton en el álbum de Raoul Luoar

Margaret Bourke-White (1904 – 1971)

Apodada como “Maggie la indestructible”, esta pionera fue la primera corresponsal de guerra y la primera fotoperiodista de la revista Life. Gracias a ello, Margaret Bourke-White documentó hechos históricos como la liberación de los prisioneros de los campos de concentración nazis o la independencia de la India de la mano de Ghandi. Aunque también es muy conocida por sus imágenes de los rascacielos y demás elementos arquitectónicos de su ciudad natal: Nueva York.

Foto de Margaret Bourke-White compartida por UR Cameras con licencia de dominio público

Robert Capa (1913 – 1954)

No podía faltar el que, sin duda, es uno de los fotógrafos más famosos de la historia, muy conocido por su foto ‘Muerte de un miliciano’ (una de las más icónicas de la historia), y por ser co-fundador de Magnum Photos. Robert Capa (cuyo nombre real era Ernö Friedmann y fue pareja de Gerda Taro a la que se le atribuyen algunas de sus fotos) fue un fotoperiodista húngaro pionero al ser el primero en utilizar cámaras de pequeño formato para contar lo que ocurría en el frente de guerras como la española o la Segunda Guerra Mundial. Por eso no es de extrañar que acuñara la famosa frase “Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es porque no te acercaste lo suficiente”.

Foto de Robert Capa de la galería de Ur Cameras

Henri Cartier-Bresson (1908 – 2004)

Otro de los imprescindibles de la lista es este francés maestro entre maestros y considerado padre de la fotografía callejera. Henri Cartier-Bresson acuño el término “el momento decisivo” en su libro homónimo que ha sido enormemente influyente en la historia de la fotografía. Cofundador de la Agencia Magnum, destacó también en la fotografía documental, el retrato y los paisajes.

Foto de Henri Cartier-Bresson de la galería de Claude Valette

Imogen Cunningham (1883 – 1976)

Otra pionera en el campo de la fotografía que fue fundadora junto a Ansel Adams y Edward Weston (entre otros) del grupo f/64. Su afición a la fotografía comenzó desde niña, de forma autodidacta, y cobró popularidad como fotógrafa de retratos con un estudio propio a principios del siglo pasado. Años más tarde, tras ser madre, Imogen Cunningham se dedicó a fotografiar su entorno más cercano, las flores de su jardín, creando unas composiciones naturales abstractas que han quedado para la historia como parte fundamental de su obra de estilo pictorialista.

Foto de Imogen Cunningham en la galería de Retrogasm

Bruce Davidson (1933)

Uno de los grandes maestros de la street photography, miembro de Magnum Photos y especializado en retratar a los grupos marginados de la sociedad estadounidense como los pandilleros de Brooklyn o Harlem o los artistas de circo. Claro que Bruce Davidson no se limitó a retratarlos porque su filosofía se basó en formar parte de la comunidad que pretendía retratar. Esta visión antropológica, con un fuerte componente documental, terminó siendo un estilo para abordar este tipo de fotografía callejera que ha influido notablemente en los fotógrafos posteriores.

Foto de Bruce Davidson en la galería de Retrogasm

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¿Qué nos ha aportado la fotografía a lo largo de la historia?

Robert Doisneau (1912 – 1994)

Este fotoperiodista francés, que trabajó junto a grandes como Henri Cartier-Bresson, es mundialmente conocido por su foto ‘El Beso’ (que años después se descubriría que fue preparada), y por ello está considerado como uno de los fotógrafos callejeros que mejor retrató la vida de su París natal con un estilo fresco y espontáneo. Claro que no todas fueron imágenes que desprendían alegría como las de su serie ‘Besos’ (encargo de la revista Life), sino que Robert Doisneau también retrató la Francia ocupada por los nazis y, ya en sus últimos años, se dedicó también a la fotografía de moda y publicidad.

Foto de Robert Doisneau en la galería de Ur Cameras

William Eggleston (1939)

Considerado un visionario, fue uno de los fotógrafos clave que contribuyó a que la fotografía en color se convirtiera en una forma de arte aceptada. La obra de William Eggleston está formada por fotografías con un estilo “instantáneo”, que reflejan la vida y la iconografía norteamericana de los 70 de una manera que nunca antes se había visto, motivo por el que constituyó toda una revolución en su tiempo. Pero lo mejor es que sus imágenes, aparentemente sencillas, celebrando lo extraordinario en lo cotidiano, siguen siendo frescas con el paso del tiempo y continúan influyendo a las generaciones posteriores.

Foto de William Eggleston capturada del vídeo Grandes miradas de la fotografía: William Eggleston

Alfred Eisenstaedt (1898 – 1995)

Otro fotógrafo mundialmente conocido por una foto de una pareja besándose (llamada ‘V-J Day in Times Square’). Alemán de nacimiento y emigrado a los EE.UU (era judío), Alfred Eisenstaedt fue un gran y prolífico fotoperiodista cuyas fotos coparon las portadas de la revista Life, aunque también se prodigó, con maestría, en el retrato

Foto de Alfred Eisenstaedt en la galería de Ur Cameras

Elliot Erwitt (1928)

Nacido en París, fue discípulo del gran Robert Capa quien le incorporó a Magnum con sólo 25 años cuando ya había despuntado por su forma de saber captar el momento decisivo. Elliot Erwitt es el creador de un montón de fotos icónicas, como las de sus populares series dedicadas a los perros, imágenes con un indudable tono humorístico cargado de ironía pero también con un importante sentido crítico.

Foto de Elliot Erwitt en la galería de Retrogasm

Walker Evans (1903 – 1975)

Este estadounidense es conocido sobre todo por su trabajo para la Farm Security Administration documentando la dura vida de las comunidades rurales en el periodo de la Gran Depresión americana. El estilo de Walker Evans, realista pero humanista, se basaba en mirar a los hechos directamente, aparentemente sin intervención, de una manera precisa y cruda, pero al mismo tiempo representando a los retratados de las clases más bajas con toda su dignidad. Años más tarde fue articulista y fotógrafo de la revista Fortune, e incluso llegó a ser profesor de fotografía en Yale con alumnos ilustres como nuestro siguiente fotógrafo.

Foto de Walker Evans compartida en Wikimedia Commons

Robert Frank (1924)

Otro de los imprescindibles de esta lista por ser el autor de ‘The Americans’, considerado uno de los libros clave en la historia de la fotografía. En aquel volumen, Robert Frank retrató como nadie la sociedad norteamericana de los años 50 en todos sus estratos (realizando un total de 28.000 fotografías en los dos años que estuvo viajando por el país), con una mirada reflexiva y autocrítica y un estilo poco convencional y hasta anárquico. Posteriormente también se dedicó al cine, arte que ha compaginado con la fotografía.

Foto de Robert Frank capturada del vídeo Grandes miradas de la fotografía: Robert Frank

Cristina García Rodero (1949)

No podía faltar nuestra fotógrafa más reconocida internacionalmente, fotógrafa documentalista que se hizo conocida por “España Oculta”, obra cumbre de nuestro arte visual. Un recorrido por la geografía española, con la personal mirada de Cristina García Rodero, que la llevó a ser embajadora de nuestras tradiciones y costumbres. Recientemente homenajeada en su tierra natal con un museo a su nombre, también fue el primer español en entrar en Magnum y, sin duda, se merecía estar en este listado.

Foto de Cristina García Rodero capturada del vídeo Cristina Garcia Rodero 02

Philippe Halsman (1906 – 1979)

Otro maestro del retrato que inmortalizó a algunas de las personalidades más importantes del siglo XX como Albert Einstein o Winston Churchill trabajando para revistas como Vogue y Life (en la que llegó a copar 101 portadas). Las principales señas de identidad de Philippe Halsman fueron el estilo, la elegancia y también la inventiva visual que dio lugar a otra fotografía icónica de la historia: ‘Dali Atomicus’.

Foto de Philippe Halsman compartida por dou_ble_you

Lewis Hine (1874 – 1940)

Norteamericano de nacimiento, su formación como sociólogo tuvo mucho que ver en que dedicara su trabajo fotográfico a retratar la sociedad de comienzos del Siglo XX desde la perspectiva de los más desfavorecidos. Lewis Hine retrató a los inmigrantes que llegaban a la Isla de Ellis (NY) o a los niños y niñas explotados en las fábricas, y dejó un legado espectacular de la sociedad industrial que le tocó vivir a través de una mirada documentalista, pero no exenta de subjetividad y, sobre todo, de crítica.

Foto de Lewis Hine compartida en Wikimedia Commons con licencia de dominio público

Yousuf Karsh (1908 – 2002)

Este canadiense de origen armenio está considerado como uno de los fotógrafos de retratos más importantes del mundo. De hecho en el portfolio de Yousuf Karsh figuran retratos de nombres ilustres como Winston Churchill, Ernest Hemingway, Albert Einstein o la Madre Teresa de Calculta. A todos ellos los retrató como nadie este artista gracias a una cuidada iluminación y un talento especial para captar la personalidad del fotografiado.

Foto de Yousuf Karsh en el álbum de Retrograsm

Michael Kenna (1953)

Este británico es sin duda uno de los fotógrafos de paisaje más reconocidos de la historia, famoso por el eminente sentido artístico de sus imágenes e imitado hasta la saciedad. Las fotos de Michael Kenna, generalmente en blanco y negro y realizadas con una Haselblad de película (frecuentemente usando una larga exposición), destilan elegancia y minimalismo.

Foto de Michael Kenna capturada del vídeo Michael Kenna

André Kertész (1894 – 1985)

Nacido en Budapest, su vida transcurrió entre la capital húngara, el París de las vanguardias y Nueva York, lo que marcó sin duda una trayectoria no todo lo ideal que le hubiera gustado. La fotografía de André Kertész navegó entre el retrato de la sociedad que le rodeaba, con especial atención a los más desfavorecidos, y el surrealismo de sus fotos más famosas. Un artista innovador, que toco muchos géneros, y notablemente influyente en las generaciones posteriores.

Foto de André Kertész en el álbum de Retrograsm

William Klein (1928)

Si muchos de los incluidos en esta lista nacieron en Europa y acabaron emigrando a los EE.UU, William Klein hizo el camino de vuelta, desde sus orígenes neoyorkinos (hijo de emigrantes húngaros) hasta París donde desarrolló la mayor parte de su trabajo como fotógrafo pero, también, pintor, escultor y director de cine. Esto tuvo mucho que ver con un estilo muy personal, rebelde y ecléctico, que se reflejó tanto en su obra fotográfica relacionada con la moda (sobre todo trabajando para Vogue), como en lo que el llamaba sus “fotos serias”, con las que documentaba la sociedad en la que vivía.

Foto de William Klein en el álbum de Retrograsm

Dorothea Lange (1895 – 1965)

Otra gran pionera, nació en los EE.UU y en su infancia sufrió poliomielitis lo que derivó en una constitución débil y dificultades para caminar. Dorothea Lange estudió fotografía y llegó a tener un exitoso estudio en San Francisco, pero lo que de verdad cambió su carrera fue su decisión de salir del estudio y dedicarse al fotoperiodismo documentando la pobreza en los duros años de la Gran Depresión americana. Su mirada sincera y humanista nos dejó grandes retratos de quienes peor lo pasaron en aquella época y le valió el apodo de “la fotógrafa del pueblo”.

Foto de Dorothea Lange en el álbum de Retrograsm

Jacques Henri Lartigue

Si la anterior fue la fotógrafa del pueblo, nuestro último maestro (por esta primera entrega) es considerado “el fotógrafo de la felicidad” ya que se dedicó a retratar el mundo desde el positivismo. Seguramente tendría que ver con el hecho de que Jacques Henri Lartigue nació (en Francia) en una familia acomodada, pero no se puede negar su elegancia y su maestría a la hora captar escenas cotidianas, frecuentemente con un añadido en forma de dinamismo que se convirtió en un estilo propio muy característico.

Foto de Jacques Henri Lartigue en el álbum de Ur Cameras

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Los fotógrafos esenciales de la historia de la fotografía

Foto de portada | 'Cornell y Robert Capa' en la galería de Ur Cameras

Completamos nuestro especial que iniciamos la semana pasada en el que proponemos una lista de lo que (posiblemente) sean los 50 mejores fotógrafos de la historia. Un listado que, por supuesto, es discutible, y en el que seguro falta gente pero también estamos convencidos de que no sobra nadie. Así que vamos con los otros 25 nombres más destacados de la historia de la fotografía.

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Los fotógrafos esenciales de la historia de la fotografía

Annie Leibovitz (1949)

Comenzamos con una de las fotógrafas de retrato más famosas en activo (aunque también ha tocado otros géneros). Annie Leibovitz trabaja para revistas como Rolling Stone, Vanity Fair y Vogue y es conocida por sus elaboradas e imaginativas producciones de gran presupuesto en las que ha retratado a muchas de las celebridades más conocidas del mundo actual convirtiéndolas en icónicas imágenes.

Foto de Annie Leibovitz compartida en el álbum de Retrogasm

Saul Leiter (1923 – 2013)

Mitad pintor mitad fotógrafo, sin duda su obra tiene una gran influencia pictórica que se reflejó en unas imágenes que destacan por su búsqueda de composiciones inusuales y su uso de la geometría. Aunque se dedicó tanto a la foto de moda como a la editorial, Saul Leiter es sobre todo un referente de la fotografía urbana, con sus inconfundibles imágenes de la Gran Manzana, y uno de los pioneros (y maestros) en el uso del color.

Foto de Saul Leiter capturada del vídeo Saul Leiter

Robert Mapplethorpe (1946 – 1989)

Este fotógrafo estadounidense, fallecido tempranamente por culpa del SIDA, sin duda fue un provocador como demuestra el hecho de que casi treinta años después de su muerte sus fotos sigan siendo polémicas. Obsesionado por lograr la perfección estética, Robert Mapplethorpe es conocido sobre todo por sus retratos, muchos de ellos desnudos masculinos, pero también por sus imágenes de flores, aunque éstas también tuvieran un fuerte contenido sexual.

Foto de Robert Mapplethorpe capturada del vídeo Robert Mapplethorpe: sex, portraits and flowers

Julia Margaret Cameron (1815 – 1879)

Esta inglesa fue toda una pionera en unos tiempos en los que la fotografía aún apenas se preocupaba de lograr la perfección técnica. Sin embargo, Julia Margaret Cameron exploró las posibilidades expresivas y artísticas del nuevo medio a través de sus retratos de familiares, amigos y personajes famosos de la Inglaterra Victoriana, así como a la representación escenográfica de alegorías.

Foto de Julia Margaret Cameron en Wikimedia Commons con licencia de dominio público.

Don McCullin (1935)

Este londinense es conocido mundialmente por haber cubierto, como fotógrafo de guerra, algunos de los conflictos bélicos más importantes de los 60 y 70 (como Vietnam, Chipre o Camboya), mostrando la realidad brutal de la guerra con imágenes que han quedado para la historia. Porque la obra de Don McCullin, ya sea como fotoperiodista o en otras facetas, no sólo busca contar una historia sino que, además de mostrar un fuerte compromiso del autor, pretenden hacer reflexionar al espectador.

Foto de Don McCullin en el álbum de Ur Cameras con licencia de domino público

Steve McCurry (1950)

Seguramente es uno de los fotoperiodistas en activo más populares del mundo, es miembro de Magnum y colaborador habitual de National Geographic desde hace muchos años. La variada carrera de Steve McCurry incluye reportajes de guerra, cobertura de desastres naturales, fotografía de viajes y retratos, como el de la chica afgana que se ha convertido en una foto icónica.

Foto de Steve McCurry en el álbum de Cea +

Joel Meyerowitz (1938)

Uno de los uno de los grandes referentes de la fotografía de calle que tampoco podía faltar. El neoyorkino Joel Meyerowitz es uno de los artistas que más influencia ha ejercido en el campo de la fotografía urbana. Su obra principal, cómo no, está basada en retratar las calles de Nueva York a partir de los 60, algo que él hace pero con un estilo propio en el que tuvo especial importancia el uso del color (que él defendió como pocos y ayudó a implantar).

Foto de Joel Meyerowitz capturada del vídeo Masters of Photography: Joel Meyerowitz masterclass - trailer

Inge Morath (1923 – 2002)

Otra pionera en la historia de la fotografía, sobre todo por su lucha por la presencia femenina en un mundo netamente masculino (especialmente en sus comienzos). De hecho, Inge Morath fue pionera al trabajar en Magnum (en principio como editora y tiempo después como fotógrafa de la agencia), cuando, en 1949, Robert Capa le ofreció participar del proyecto junto a su marido Ernst Hass. Su trayectoria como fotoperiodista le llevó a recorrer el mundo retratando todo tipo de países, pero sin duda su proyecto principal fue el que realizó sobre el Danubio (y que hace poco fue recreado).

Foto de Inge Morath capturada del vídeo Maestros de la Fotografía: Inge Morath, la fotógrafa del Danubio

James Nachtwey (1948)

Ganador de numerosos premios internacionales, como el World Press Photo o la Robert Capa Gold Medal, este norteamericano es sin duda una leyenda del fotoperiodismo. James Nachtwey ha cubierto multitud de guerras, conflictos y crisis sociales como la guerra de Irak, la crisis humanitaria de Somalia o los ataques terroristas de 2001 en el World Trade Center, pero sobre todo se ha destacado por la honestidad de sus imágenes que buscan contar la verdad.

Foto de James Nachtwey capturada del vídeo The Somalia Famine: Behind James Nachtwey's Photograph | 100 Photos | TIME

Arnold Newman (1918 – 2006)

Otro de los grandes en el campo del retrato es este neoyorkino que, desde la década de 1930, inmortalizó a las más importantes personalidades de la sociedad norteamericana, entre actores, escritores, políticos y artistas en general (como Igor Stravinsky, Woody Allen, J. F. Kennedy o nuestro Pablo Picasso). Claro que si por algo han quedado para la historia los retratos de Arnold Newman es por su peculiar forma de hacerlos, con el personaje en su entorno de trabajo para poder darle un significado a la fotografía difícil de conseguir con un retrato descontextualizado (por muy famoso que sea el protagonista).

Foto de Arnold Newman capturada del vídeo Arnold Newman, un fotografo de retratos cercano a la perfección

Helmut Newton (1920 – 2004)

Nacido en Berlín de orígenes judíos, tuvo que dejar Alemania y emigrar a Singapur donde empezó a hacer fotos para un periódico local, pero no fue hasta su regreso al viejo continente (primero Londres y luego París), cuando se hizo un nombre como fotógrafo de moda. Helmut Newton fue capaz de retratar el glamour de la belleza femenina como nadie antes trabajando para revistas como Elle y Vogue y retratando a las mejores modelos del mundo. Sus fotos eran eminentemente provocativas pero, al mismo tiempo, el maestro fue capaz de convertir a la mujer en una figura glamourosa y poderosa.

Foto de Helmut Newton en al álbum de Retrogasm

Martin Parr (1952)

Presidente de la Agencia Magnum hasta hace poco tiempo, este británico cuenta con una larga carrera en la que se ha destacado por un lenguaje visual único y una forma de mirar muy personal. Porque Martin Parr es sobre todo conocido por sus fotos de turistas en vivos colores (y muchas veces usando el flash de relleno) en las situaciones más inverosímiles, dentro de un estilo documental caracterizado por la ironía, que en ocasiones resulta ambigua y otras roza lo grotesco.

Foto de Martin Parr capturada del vídeo Martin Parr

Irving Penn (1917 – 2009)

Formado en artes visuales (y hermano del famoso director de cine Arthur Penn), este norteamericano fue uno de los fotógrafos de moda y retrato más reverenciados en los círculos fotográficos norteamericanos, aunque también se prodigó en las naturalezas muertas y todo tipo de imágenes publicitarias. Irving Penn fue de los primeros en plantear los retratos colocando a los sujetos contra un fondo gris o blanco, con una eminente simplicidad pero al mismo tiempo gran expresividad (gracias a la composición y la iluminación) que se convirtió en su seña de identidad.

Foto de Irving Penn en el álbum de Kristine

Raghu Rai (1942)

Considerado como uno de los más grandes fotógrafos de la India (no todo van a ser europeos y americanos), Raghu Rai empezó por casualidad pero ha forjado una larga carrera como fotoperiodista (también miembro de Magnum) inmortalizando los momentos más destacados de la historia del gran país asiático. Tiene varios libros editados, múltiples exposiciones y premios y un trabajo publicado (entre otros) en Time, Life, GEO, The New York Times, Newsweek y The India Today, pero si por algo es conocido es por sus retratos a la Madre Teresa de Calcuta.

Foto de Raghu Rai capturada del vídeo Photographer Spotlight: Raghu Rai

En Xataka Foto

100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos (I)

Man Ray (1890 – 1976)

Otro que no podía faltar es este norteamericano hijo de emigrantes rusos que fue uno de los mayores innovadores de los primeros tiempos al aplicar el surrealismo y el dadaísmo a la fotografía. Su visión, al tiempo experimental y poética de este arte, llevó a Man Ray a crear (muchas veces sin una cámara propiamente dicha) algunas imágenes de desnudos, naturalezas muertas, moda y retratos que han pasado a la historia convirtiéndose en imágenes icónicas.

Foto de Man Ray en el álbum de Haka004

Sebastião Salgado (1944)

Uno de los fotoperiodistas más famosos de la actualidad, este artista brasileño se ha hecho famoso sobre todo por documentar el tercer mundo y poner cara al sufrimiento, la pobreza y la injusticia, colaborando con ONG's y asociaciones del tercer mundo. Las imágenes de Sebastião Salgado son de un blanco y negro poderoso, con tintes épicos, como los de su obra clave ‘Genesis’ donde se propuso capturar la naturaleza salvaje de los rincones de la Tierra aún intactos.

Foto de Sebastião Salgado en el álbum de Ur Cameras

Stephen Shore (1947)

Este fotógrafo estadounidense fue, junto a William Eggleston, uno de los artistas pioneros que contribuyó al reconocimiento de la fotografía en color. Todo un niño prodigio, aficionado a la fotografía desde pequeño y de formación autodidacta, Stephen Shore es mundialmente reconocido por sus imágenes que retratan escenas banales y elementos típicos de los Estados Unidos. Todas ellas recopiladas en el libro ‘Uncommon Places’ que está entre los más recomendados de la historia de la fotografía.

Foto de Stephen Shore capturada del vídeo Grandes miradas de la fotografía: Stephen Shore

William Eugene Smith (1918 – 1978)

Se trata de uno de los fotoperiodistas más reconocidos del Siglo XX, miembro de Magnum desde los años 50 y que da nombre a uno de los premios de foto humanitaria más prestigiosos (el The W. Eugene Smith Grant). Porque William Eugene Smith tiene una larga trayectoria cubriendo conflictos como la Segunda Guerra Mundial antes de convertirse en una figura clave en el desarrollo del ensayo fotográfico. Metódico y perfeccionista, fue pionero en discutir con los editores de las publicaciones y defender el derecho del autor a controlar cómo salían publicadas sus fotografías.

Foto de William Eugene Smith capturada del vídeo Grandes miradas de la fotografía: William Eugene Smith

Alfred Stieglitz (1864 – 1946)

Para que la fotografía fuera considerada una disciplina artística hicieron falta pioneros como éste, que luchó toda su vida por que fuese considerada a la altura de la pintura o la escultura. En ello tuvo que ver su educación germánica (nació en norteamericana de padres emigrantes alemanes, regresó a Alemania, y luego de nuevo a los EEUU, todo ello antes de que concluyera el Siglo XIX), en ingeniería mecánica y química. Alfred Stieglitz fue un asiduo colaborador de las revistas de fotografía más prestigiosas, como The Amateur Photographer o Camera Work, que él mismo fundó para reivindicar el valor del nuevo arte en un movimiento que se denominó fotografía directa.

Foto de Alfred Stieglitz Wikipedia

Dennis Stock (1928 – 2010)

Autor de la icónica fotografía de James Dean que veis abajo, Dennis Stock comenzó tardíamente en la fotografía, tras regresar de la II Guerra Mundial (donde fue marino). Sin embargo, su talento le llevó a entrar en Magnum, a propuesta de Robert Capa, tras proclamarse mejor joven fotógrafo por la revista Life. Poco después de entrar en Magnum se trasladó a Hollywood, donde se hizo amigo del malogrado actor, al que retrató asiduamente, aunque sobre todo se dedicó a documentar el ambiente musical de los 60 y 70, en especial el mundo del jazz. Curiosamente, él mismo se convirtió en un icono al ser fotografíado por Andreas Feininger en un famoso retrato que seguro habréis visto.

Foto de Dennis Stock capturada del vídeo Dennis Stock - My Friend James Dean

Paul Strand (1890 – 1976)

Si Alfred Stieglitz fue el instigador de la fotografía directa, éste fue su más directo seguidor en esta corriente que defendía la fotografía como un medio artístico en sí mismo y no como una forma de imitar la pintura artística. Por eso la obra de Paul Strand está llena de retratos directos y sencillos, muy diferentes a las imágenes pictorialistas de su época y con una temática muy distinta. Así, se dedicó sobre todo a fotografiar la vida diaria de la gente común de su natal Nueva York, muchas veces sin que ellos se dieran cuenta (para lo cual recurrió a ciertos trucos).

Foto de Paul Strand en el álbum de trialsanderrors

Hiroshi Sugimoto (1948)

Este artista japonés afincado en norteamérica es un maestro de la fotografía minimalista y conceptual, conocido sobre todo por sus retratos del mar de la serie ‘Seascapes’. Un proyecto donde Hiroshi Sugimoto, como contaba nuestro compañero Sergio, “su fotografía se vuelve no una búsqueda personal de entender el mar, sino el de meterse en otro cuerpo, en otro espacio temporal y de trasladar ese sentimiento de curiosidad, de incertidumbre y del infinito”. Curiosamente, una de las fotos de esta serie fue portada de un disco de la conocida banda irlandesa U2.

Foto de Hiroshi Sugimoto en el álbum de jennifer p

Edward Weston (1886 – 1958)

Otro de los grandes maestros de la fotografía estadounidense del siglo XX, innovador y carismático. Conocido como el maestro de la esencia fotográfica, Edward Weston es muy conocido por sus fotografías de gran formato con un altísimo grado de nitidez, ya fueran paisajes desérticos, desnudos, naturalezas muertas o incluso retratos de verduras, hortalizas o conchas. Junto a Ansel Adams e Imogen Cunningham fundó el Grupo f/64 que respondía a la idea de la fotografía directa.

Foto de Edward Weston en el álbum de Ur Cameras

Garry Winogrand

Posiblemente el fotógrafo más prolífico de la historia, con más de 250.000 imágenes, muchas de las cuales nunca llegó a ver reveladas. Garry Winogrand es otro de los pioneros de la street photograhy, que él practicó asiduamente (aunque no le gustaba el término) con fotos callejeras hechas con rapidez para captar momentos únicos y con las que realizó un exhaustivo retrato de la Norteamérica de los años 60 y 70 (hasta el punto de ganarse el apodo de el “cronista de América”).

Foto de Garry Winogrand capturada del vídeo Grandes miradas de la fotografía: Garry Winogrand

Weegee (1899 – 1968)

Nuestro último nombre es Arthur Fellig, más conocido por su apodo Weegee que derivaba de la palabra “ouija”, porque siempre pareció tener un sexto sentido para saber cuando ocurría algún crimen o hecho que fotografiar en Nueva York (lo cierto es que llevaba una radio con la emisora de la policía en su vehículo). Sus fotos (tomada en su mayoría siguiendo la regla del F8 que él inventó), que tenían un evidente carácter exhibicionista, aparecieron en los periódicos de los años 30 y 40 y hoy día son un fascinante documento (algo morboso, eso sí) de la vida de la ciudad en aquella época.

Foto de Weegee en el álbum de Retrogasm

Y con esto hemos acabado nuestro listado de los (posiblemente) 50 mejores fotógrafos de la historia. Sabemos que echaréis en falta muchos nombres, por ejemplo de españoles como Ramón Masats o Catalá Roca (tal vez, si os parece interesante, podemos hacer más adelante uno sobre los mejores fotógrafos españoles de la historia).

Pero, como decíamos al principio, seguramente se puedan añadir nombres pero sería casi imposible prescindir de algunos de estos grandes maestros que han hecho de la fotografía el arte que es hoy. Como siempre, esperamos vuestros comentarios.

En Xataka Foto

Estos son (probablemente) los 50 mejores fotógrafos de la historia (I)

Foto de portada | De Jacques Henri Lartigue con licencia de dominio público